Gli Amici della Scala raccontano...

il loro lavoro

Maggio 2013

ACCADE AGLI AMICI DELLA SCALA...

LA MUSICA INCONTRA LA LETTERATURA: ALEXANDER RASKATOV E UMBERTO ECO

 

Lo scorso 4 aprile, alla vigilia dell'ultima rappresentazione di Cuore di cane sul palco della Scala, il compositore russo Alexander Raskatov ha incontrato nella nostra sede Umberto Eco.

Reso possibile dagli Amici della Scala e dalla nostra Presidente Anna Crespi, l'incontro si è rivelato come un prezioso dono per il nostro amico Alexander: conoscere lo scrittore che più di tutti lo ha segnato e ispirato nel corso della vita e dialogare con lui.

I due sono stati a lungo immersi in un’interessante conversazione, che ha toccato tematiche musicali e letterarie, oltre che alcuni aspetti delle loro rispettive vite.

 

Prima di congedarsi si sono salutati con un abbraccio e la promessa di rivedersi. E chissà che non possa un giorno nascere qualcosa...

 

 

OLTRE LA PAURA AGLI AMICI DELLA SCALA

 

Riflettere sulla criminalità e l’insicurezza, sulle violenze urbane, sull’odio razziale, sull’inciviltà e il controllo dello spazio, sul carcere e la salute mentale.
Per andare oltre le paure sociali grazie a una politica di sicurezza democratica.

 

Il 10 aprile nella nostra sede si è parlato di criminalità, delle paure della società moderna, ma anche di come affrontarle e provare a spingersi “oltre la paura”.
Adolfo Ceretti, professore ordinario di Criminologia nell’Università di Milano-Bicocca, coordinatore di numerosi progetti di mediazione reo-vittima in Italia, e Roberto Cornelli, professore aggregato di Criminologia nella stessa università, hanno dialogato sui temi del loro libro, dal titolo Oltre la paura, edito da Feltrinelli e da poco uscito nelle librerie.

Alla presenza di numerosi ospiti, nostri soci, accademici e personalità del mondo della cultura e della musica, a dialogare assieme agli autori era presente anche Giovanni Chiodi, professore ordinario di Storia del diritto medievale e moderno nell’Università di Milano-Bicocca, dov’è responsabile del progetto di ricerca “Polizia, magistratura e prova nel processo penale italiano dall’Unità al fascismo. Dibattiti, strategie e pratiche”, e critico musicale dei periodici “Classic Voice” e “Classic Voice Opera”.
Tre voci autorevoli per un tema di stretta attualità.

 

La presentazione, a pochi giorni da quella ufficiale tenutasi con un enorme riscontro di pubblico alla Fondazione Feltrinelli – dove a parlarne c’erano Gad Lerner, Livia Pomodoro e il sindaco Giuliano Pisapia –, si è rivelata estremamente interessante e magnetica, merito sia dei temi trattati che delle personalità dei due autori e del professor Chiodi.
Di notevole spessore anche gli interventi del pubblico a margine della presentazione, dove si sono trattati temi importanti come la violenza sulle donne, la possibilità di gestire e formare il proprio pensiero, la libertà.

 

 

Proseguono le interviste. In occasione della presentazione del libro, il Professor Adolfo Ceretti ha dialogato con la nostra Presidente.

 

 

Sei un ribelle?

Senz’altro.

   

Cosa intendi per ribelle?

La cosa che mi affligge di più nella mia vita quotidiana è osservare un pensiero condiviso che si conforma a una maggioranza che non sa pensare, ma pensa di poter governare. Dalla scuole elementari, fino a oggi, ho sempre fatto fatica a uniformarmi a un pensiero già preconfezionato e che mi aleggiava attorno. Ho sempre fatto fatica a scendere a compromessi.

Gli psicologi sociali sostengono che in un gruppo ci sono sempre le figure di un capo, di un subordinato e di un “rompiscatole”. Io ho sempre preso il ruolo di quest’ultimo; mi sento sempre un provocatore che cerca di smuovere al cambiamento.

  

Il bambino fino agli 8 anni si forma. Tu da quando sei ribelle?

Il primo ricordo che ho, molto lucido, di ribellione è di quando ero in terza elementare. Prima non era mai accaduto: ho avuto un’educazione molto severa. Sono stato educato da una Fräulein tedesca e non c’erano molti margini per ribellarsi o non essere omologhi al polso di ferro di questa signora che passava con me tutti i pomeriggi. Non sono mai andato all’asilo. La Fräulein stava con me e con mia sorella tutto il pomeriggio; ci faceva giocare, ci raccontava storie da istitutrice. “Disciplina” era la parola che più apparteneva al suo linguaggio. Insegnava a obbedire e a rispettare le regole.

  

Perchè ti sei ribellato in terza elementare?

Avevo una maestra molto intelligente ed estremamente capace di ascoltare gli alunni. Ma a scuola ho vissuto situazioni di piccole ingiustizie. Ho un ricordo precisissimo di come lei dividesse la classe in due. Da una parte c’erano i “figli di nessuno” lasciati soli a se stessi, e dall’altra c’erano i borghesi, i benestanti. Questo mi ha fin da subito colpito. Aveva atteggiamenti un po’… classisti. Non era punitiva, era fortemente giudicante e usava parole stigmatizzanti nei confronti dei più svantaggiati. Ho imparato fin da bambino che le parole possono ferire molto.

  

C’è un momento in cui un bambino può all’improvviso avere una rivelazione, ad esempio la fede. Tu hai avuto come rivelazione di te stesso la ribellione: cercavi il bene dove credevi che ci fosse il male. Hai sempre avuto un forte sentimento di giustizia?

Queste tensioni morali le ho avute da sempre. Mia madre, più che mio padre, e gli zii, Carlo e Luigi Pestalozza, Luciana Abbado, mi hanno fatto crescere favorendo in me la nascita di ragionamenti morali. Sia io, sia mia sorella, i miei cugini, ci siamo tutti dedicati a lavori artistici, di insegnamento o culturali.

 

Potete continuare a leggere l'intervista nel nostro blog.

 

 

  

GIUSEPPE VERDI 1813-2013

4 INCONTRI ALLA GAM

 

Mercoledì 29 maggio - IV e ultimo incontro

Sala da Ballo - GAM

Organizzato da Amici della GAM in collaborazione con gli Amici della Scala

 

Con moltissima passione. Ritratto di Giuseppe Verdi.

di Raffaele Mellace

Carocci Editore

con Raffaele Mellace, Fabrizio Della Seta

 

Il 29 maggio si terrà l'ultimo incontro di questo ciclo, che ha visto nei precedenti appuntamenti un interessato e folto pubblico gremire le splendide sale di Villa Reale. 

Vi regaliamo, grazie alla gentile collaborazione di Giancarla Elena Moscatelli, il racconto del secondo incontro, quando lo scorso 20 febbraio Angelo Foletto e Fernando Mazzocca hanno tenuto una lezione su "Verdi e gli amici artisti".

Verdi e gli amici artisti
(Hayez, Manzoni, Maffei, Gemito, Duprè, Boldini)
con Angelo Foletto, Fernando Mazzocca
Galleria di Arte Moderna, Sala del Parnaso, 20 febbraio 2013, Milano

 

Cosa amava Verdi al di là della musica? Villa Sant’Agata è un posto importante per capire il rapporto di Verdi con le arti. Lui leggeva molto, aveva molte opere d’arte che, per sua espressa volontà, sono state donate e sono tornate a Milano nella Casa di Riposo da lui fondata.

Leggendo le sue lettere, i suoi interlocutori sono, oltre agli impresari e a Ricordi e Boito, letterati e intellettuali (cfr. il carteggio con la Maffei che, anche se interrotto dall’allontanamento di Verdi da Milano, continua per interposta persona).
Il mondo dell’arte è sempre stato vicino a Verdi, gli artisti rappresentavano bene la sua teatralità, un esempio ne è Duprè.

Il mondo di Verdi parte dal salotto Maffei dove, oltre ad amici e patrioti, gravitano anche i più importanti artisti dell’epoca. Uno di essi era Pompeo Marchesi, scultore, che compare nelle lettere di Verdi per interposta persona tramite Escudier, editore parigino, contatto artistico di Verdi che ne diventa anche, in parte, un fiduciario. Escudier è a Milano nel 1845 e Verdi lo accompagna nel laboratorio di Marchesi, che spesso donava alcune sue piccole statue ai visitatori più illustri.
Verdi ci teneva moltissimo a portare i suoi amici presso gli artisti che frequentava e questo suo interesse per l’arte, dal 1847, diventa, di fatto, una ricerca. Durante la permanenza a Firenze del compositore, Duprè fa in modo di fargli pervenire un biglietto per poterlo incontrare e, grazie ad Andrea Maffei, inizia questa amicizia che coinvolgerà anche il pittore Piatti, i patrioti Manara e Giusti, che conoscerà tramite una lettera di Manzoni. Questo gruppo di amici avrà come scopo proprio quello di andare alla ricerca delle cose più raffinate prodotte dal mondo delle arti visive.

 

Verdi collezionista e i suoi rapporti con i pittori.

 
La collezione di quadri di Verdi è fatta in gran parte di dipinti commissionati. In ogni caso Verdi ha avuto con gli artisti svariati contatti e con alcuni di essi un rapporto particolare su tre livelli. Il primo, quello della committenza, per formare la collezione di Sant’Agata della quale molte opere le lascerà in eredità alla Casa di Riposo. Il secondo è quello del ritratto, ormai è un personaggio famoso e ha piacere di avere dei ritratti, e il terzo è quello del contraltare pittorico alla parabola artistica verdiana.
Il melodramma affonda le radici nella letteratura, quindi ci sono coincidenze tra il romanzo storico e il melodramma. Il romanzo storico, però, oggi viene letto solo dagli addetti ai lavori, mentre la pittura storica è ancora apprezzata e apprezzabile, soprattutto quella di Hayez, considerato quasi un alter ego di Verdi anche se appartengono a due generazioni differenti. Hayez ha frequentato Bellini, Rossini e Donizetti che cita nelle sue memorie dove, peraltro, non compare il nome di Verdi. È una specie di “padre della patria” del ritratto, ma nei suoi lavori non c’è il ritratto di Verdi.

La pittura storica, a sua volta, è considerata parallela al melodramma di Verdi, perché, ad esempio Hayez, ha trattato molti soggetti che sono stati oggetto delle opere del compositore. I suoi quadri hanno quindi la teatralità del melodramma, ma sono stati dipinti prima che Verdi scrivesse. Chissà, forse Verdi ha tratto ispirazione dai suoi quadri, ci sono diverse lettere tra Hayez e Verdi, ma non si parla mai di arte in maniera particolare o approfondita, dato che non avevano una grande confidenza e, in più, Hayez, faceva parte della commissione scenica del Teatro alla Scala con il quale Verdi non era più in rapporti sereni.

Altro pittore legato al mondo Verdiano è Morelli. È un contemporaneo di Verdi e ciò ha facilitato l’amicizia, comprovata da un lungo epistolario. Si sono conosciuti a Napoli, nel 1858, in occasione della rappresentazione di Un Ballo in Maschera e l’incontro è avvenuto tramite Vincenzo Torelli. Morelli è sollecitato da Torelli a presentare a Verdi due bozzetti per I Due Foscari, per fargli notare come sia stato affascinato dalle sue opere. Verdi li vede, ma questi bozzetti rimangono tali, anche se saranno molto discussi nelle varie lettere tra il compositore e Morelli, assieme alle passioni comuni per Byron e Shakespeare. Nel 1863 Verdi è a Napoli per l’Aida e ordina a Morelli un grande quadro e attraverso di lui entra in contatto con Vincenzo Gemito uno scultore che, in quel momento aveva un po’ di problemi economici. Verdi allora gli commissiona un ritratto, che viene eseguito in terracotta e in bronzo e diventerà, in queste due varianti, la scultura più diffusa dell’immagine di Verdi prima del famoso ritratto di Boldini.
Morelli dipinge anche un quadro di ispirazione evangelica, Gli ossessi, che attualmente è custodito nella Casa di Riposo, e lo dona a Verdi che lo ringrazia con parole commosse. Non è un quadro realistico, ma visionario, quasi simbolista. L’epistolario con Morelli, ad un certo punto, si dirada e la loro amicizia si allenta. Ci rimangono però le lettere con i consigli per i costumi dell’Otello e i relativi bozzetti che, però, non diventeranno mai quadri. L’Otello ha costituito un momento di riavvicinamento fra i due durante il quale Verdi ha sollecitato Morelli a dipingere “per la gente comune”.

Altro artista con cui Verdi ha avuto contatti è stato lo scultore Luccardi, con il quale ha tenuto anche un epistolario. Con questi artisti il compositore tiene rapporti per avere consigli, ma sono anche occasioni per scambi di confidenze. Luccardi, in particolare, era un confidente con cui parlare di politica come faceva con Morosini e Arrivabene. Con lui discute del Risorgimento e dell’Unità d’Italia con una schiettezza notevole, perché lo considera un uomo di ampie vedute. Si ricorda il viaggio compiuto da Luccardi a Roma per vedere il quadro relativo all’incontro tra il Papa e Attila per conto di Verdi, che voleva riprodurre con il massimo realismo la scena nella sua opera.
In Verdi c’è sempre attenzione a ciò che veniva rappresentato attraverso le arti e ciò è stato la premessa per concretizzare tanti rapporti nascenti, come quello con Gemito, che ha creato la scultura delle mani del compositore.
Altro incontro è quello con Palizzi, autore minore che ha disegnato la cornice di un quadro, ma soprattutto ha fatto il ritratto di Lulù, il cane di Verdi.
Infine Boldini: le immagini di Verdi più belle sono le sue. È un artista più giovane di Verdi e si è stabilito a Parigi dove ha avuto un enorme successo. E’ anche un discreto cantante e si esibisce volentieri per gli amici. E’ un grande ritrattista e ha avuto la fortuna di frequentare Muzio, l’unico allievo di Verdi, del quale ha fatto un ritratto che ricorda molto lo stile di Dégas.

Grazie a Muzio si conquista la fiducia di Verdi che gli concede diverse pose per un ritratto ufficiale. Quando fu terminato, questo ritratto, Boldrini non era molto soddisfatto perché lo considerava troppo ufficiale, troppo rigido, somigliante ad un ritratto che Hayez fece a Manzoni. Bisogna ricordare un piccolo aneddoto che ha portato poi all’icona verdiana per eccellenza. Durante le sedute per questo ritratto era spesso presente anche Giuseppina, che amava molto chiaccherare a lungo generando un certo malumore nel pittore. Un giorno Verdi si presentò senza di lei e Boldini, presi i pastelli, in circa tre ore, disegnò il famoso ritratto del compositore con la sciarpa bianca al collo e il cappello a cilindro. Un’immagine molto moderna e sbarazzina che Boldini non vorrà mai cedere, salvo accontentare una principessa di Savoia che lo vorrà per la Galleria d’Arte di Roma, dove tuttora è custodito.

 

Icona nel mondo per eccellenza, criticato aspramente da Palazzeschi nel 1931 alla morte del Boldini, non sapremo mai se Verdi apprezzò questo ritratto.

 

 

Per celebrare l'anniversario verdiano, abbiamo digitalizzato e caricato  nella nostra pagina YouTube il ciclo di lezioni tenute da Angelo Foletto su Giuseppe Verdi agli Amici della Scala. L'anno era il 2001, il luogo la nostra sede di allora in Corso Venezia.

Il ciclo dal titolo "Verdi e il suo tempo. Una storia in molti atti", consultabile nella sua versione integrale, si compone di sette lezioni-incontro, in ognuna delle quali il professor Foletto approfondisce diversi aspetti della vita, artistica e non solo, del compositore di Busseto. 

 

 

LE INTERVISTE DI ANNA CRESPI MORBIO...

CESARE MAZZONIS

 

Amico di lunga data degli Amici della Scala, Cesare Mazzonis è stato intervistato dalla nostra Presidente Anna Crespi.  L’occasione è stata offerta dalla presentazione del suo libro Ragnatele sul nulla. Di tale presentazione – avvenuta nella nostra sede lo scorso 7 febbraio – i nostri lettori possono trovare notizia nel blog della nostra Associazione.

 

 

Mi pare di scoprire sempre nuove cose di te.
Il libretto che hai scritto per Cuore di cane è per me una rivelazione.
Mi era già capitato di scrivere libretti per il teatro di prosa, questo è il mio primo libretto per l’opera.
Ho scritto due libretti per Luca Ronconi. Uno era una lunghissima pièce teatrale che durava 9 ore: una traduzione da Arno Holz, intitolata Ignorabimus; l’altra era Il bosco degli spiriti per inaugurare un piccolo teatro in Umbria, tre anni fa.
Per Federico Tiezzi ho tradotto l’Antigone di Brecht.
Ho anche scritto e pubblicato due romanzi con Einaudi, uno con Feltrinelli, un libro di racconti, un piccolo libro di saggi musicali.

 

Hai origini torinesi. Anche i tuoi genitori erano interessati di musica?
Mia nonna, la madre di mia madre, discendeva dai conti Radicati di Marmorito di Passerano, imparentati con Schumann.
In casa si sentiva e suonava musica. Entrambi i miei genitori suonavano il pianoforte.

 

Che studi hai fatto?
Ho studiato in Italia e poi dalla fine del ‘48 in Argentina, dove mi sono trasferito con la famiglia. A Buenos Aires mi sono laureato in Fisica e Chimica. Studiavo musica privatamente. Poi mi sono trasferito a Londra per 4 anni per studiare musica.

 

Il tuo percorso musicale era segnato fin dall’infanzia?
Sì, il mio gusto si è formato da quando ero bambino.

 

Quando eri direttore artistico cercavi musicisti, decidevi le opere, ..?
Decidevo il programma e a chi affidarlo.
Si decideva chi erano il direttore, i cantanti, lo scenografo: è il normale mestiere del direttore artistico.

 

All’interno del tuo lavoro sono nate amicizie?
Ho amicizie durature, anche con molti artisti.
Sono grande amico di Zubin Metha, sono molto legato a Seiji Ozawa; avevo un ottimo rapporto con Leonard Bernstein, con Carlos Kleiber di cui conservo ancora le lettere; sono stato amico e collaboratore per lunghi anni di Claudio Abbado, un po’ meno di anni di Riccardo Muti; poi sono molto affezionato e grande amico di Luca Ronconi.

Potete continuare a leggere l'intervista nel nostro blog.

 

 

MATTEO COLLURA

 

Anna Crespi intervista Matteo Collura, giornalista, storico e scrittore. Siciliano di nascita si trasferisce a Milano per lavoro. È il biografo di Leonardo Sciascia. È amico degli Amici della Scala.

 

 

È appena uscito il tuo libro Sicilia. La Fabbrica del Mito; tu sei siciliano, ma vivi a Milano. Questo ti ha cambiato il carattere?
Vivo a Milano da trentacinque anni; se si parte dal luogo dove si nasce entro i sedici anni si cambia, non solo nella parlata, ma anche nel modo di pensare. Io sono partito dalla Sicilia ben oltre i sedici anni, quindi sono rimasto quello che ero. Da Milano ho potuto guardare alla Sicilia da un punto di vista ottimale: la distanza giusta per osservare e giudicare ciò che accade. La Sicilia è considerata una metafora dell’Italia e del mondo; pare sia un laboratorio ideale dove sperimentare le formule politiche che poi serviranno al paese intero.

Sei andato subito a lavorare al Corriere della Sera?
Arrivato a Milano sono subito approdato al Corriere. Era il più grande giornale italiano. Nell’ambiente giornalistico circolava una battuta, ora non più attuale: “I giornalisti italiani si dividono in due categorie: chi lavora al Corriere della Sera e chi vorrebbe lavorarci”. La Repubblica era nata da cinque anni, le altre realtà giornalistiche erano marginali rispetto al Corriere, che all’estero rappresentava il nostro Paese.

 

Il Corriere era un mito?
Per noi giornalisti lo era.

 

È ancora un mito?
Oggi, l’accesso all’informazione generalizzata dovuta a internet ha dato uno scossone al mito dell’informazione: oggi ognuno può comunicare, dire la sua, trovare le informazioni. Il computer ha cambiato la nostra vita. Giornali come il Corriere e Repubblica selezionano le informazioni, nel pc invece si trova di tutto. Le nuove generazioni non comprano i quotidiani per apprendere le notizie; hanno altre fonti.

 

Cos’è per te il mito?
È ciò che serve a spiegare quello che non possiamo capire. La Bibbia si fonda su una serie di miti per spiegare eventi che non possiamo capire.

 

Per leggere l'intervista integrale andate nel nostro blog.  

 

 

 

I NOSTRI AMICI

XXXII PREMIO DELLA CRITICA MUSICALE “FRANCO ABBIATI”

 

 

Gli Amici della Scala hanno avuto il piacere di ospitare anche quest'anno la giuria del Premio Abbiati, prestigioso riconoscimento conferito dall'Associazione nazionale critici musicali ai protagonisti della vita artistico/musicale in Italia, suddivisi in varie categorie.
Nella nostra sede si è riunita la giuria, presieduta dal Professor Angelo Foletto, Presidente dell'Ancm, per deliberare i vincitori per la Stagione 2012.
La premiazione del XXXII Premio della Critica Musicale si terrà domenica 26 maggio al Teatro Donizetti di Bergamo.
Di seguito i vincitori:

 

SPETTACOLO: Lohengrin di Richard Wagner (Milano, Teatro alla Scala), direttore Daniel Barenboim, regia Claus Guth, scene e costumi Christian Schmidt, luci Olaf Winter.

Per la verità interpretativa di un allestimento scenico poeticamente profondo e minuzioso, radicato nella cultura del romanticismo seppure affidato a immagini moderne, a partire dalla figura antierorica del protagonista, l’eccezionale Jonas Kaufmann, che si armonizzava alla lettura musicale di finezza e spessore assoluti, potenziando un progetto artistico di straordinaria resa complessiva.

 

PREMIO “PIERO FARULLI”: Trio Armellini-Marzadori.

Leonora Armellini, pianoforte. Laura Marzadori, violino. Ludovico Armellini, violoncello.

 

NOVITÀ ASSOLUTA: Mare metallico di Giovanni Tamborrino (Taranto, Orchestra della Magna Grecia). 

Per l'originalità e l'autenticità di una scrittura che trae alimento dalle risorse timbrico-percussive dei più svariati strumenti, tradizionali e "inventati", e per la compenetrazione di tali "oggetti sonori", frutto di una lunga e sistematica ricerca, entro cornici formali di rara immediatezza e forte comunicatività. 

 

DIRETTORE: Fabio Luisi.

Presenza importante nelle stagioni sinfoniche del Maggio Musicale fiorentino e della Filarmonica della Scala, il maestro genovese raggiunge esiti ragguardevoli in Roméo et Juliette di Gounod (Genova, Teatro Carlo Felice) e Manon di Massenet (Milano, Teatro alla Scala), dove al rifinito lavoro con l’orchestra scaligera unisce la capacità di accostarsi all’opera con piena consapevolezza stilistica, restituendole passo fantasioso e avvincente ritmo teatrale secondo lo spirito autenticamente comique della partitura.

 

REGIA: Leo Muscato.

Con tre spettacoli molto diversi, si è imposto con mano competente, originale e poetica: in Bohème a Macerata (Sferisterio Festival) ha colpito per la tenuta del linguaggio drammaturgico pucciniano, spostato nel clima giovane e fiducioso del Sessantotto parigino; in La fuga in maschera, rarità di Spontini (Jesi Festival Pergolesi Spontini) ha giocato con leggerezza nel clima della commedia buffa; in Nabucco (Cagliari, Teatro Lirico) ha inventato con mezzi essenziali la tinta corale del dramma di Verdi. 

 

SCENE: Sergio Tramonti.

In simbiosi con la vocazione antirealistica del regista Pippo Delbono, colloca Cavalleria rusticana (Napoli, Teatro San Carlo) negli spazi vuoti e ombrosi di un palazzo d'epoca abbandonato talvolta inondato dalla luce radente che entra dalle ampie finestre, creando con perfetta sinergia tra spazio, colori e luci un'ambientazione sognante e onirica che supera il bozzettismo della tradizione e offre una visione d’opera aperta sulla modernità.

 

COSTUMI: Gianluca Falaschi.

Per Ciro in Babilonia di Rossini (Pesaro, Rof, regia Davide Livermore, scene Nicolas Bovey) ha realizzato con estrosa fantasia costumi e trucchi in bianco e nero modellati sullo stile degli abiti Anni Venti, influenzati anche da richiami al primo cinema muto e al figurativismo dell'antica cultura assiro-babilonese.

 

SOLISTA: Duo Leonidas Kavakos-Enrico Pace.

Per la realizzazione dell’integrale sonatistico beethoveniano (Società del Quartetto di Milano e Amici della musica di Firenze) dove il segno violinistico di Kavakos, nella sua vocazione a trascendere la dimensione strumentale e puramente virtuosistica per decantare il discorso in pura evocazione sonora si salda in strettissima unità con la visione di Enrico Pace, interprete di forte impronta nell’orientare il suo straordinario bagaglio alla ricerca di quella espressività racchiusa nelle dieci Sonate.

 

CANTANTI:

Evelyn Herlitzius.

Per la straordinaria caratterizzazione di Ortrud nel Lohengrin (Milano, Scala), nella quale ha dimostrato di sposare totalmente l'idea drammaturgica di Claus Guth  e Ronny Dietrich che la vuole "cattiva maestra di pianoforte" e, più ancora, algida aberrazione della figura materna. La Herlitzius tratteggia la Grafin von Telramund con vocalità impetuosa, modernissima eppure sempre attenta a non tradire il dettato wagneriano, accompagnando il canto con sontuosa e coinvolgente presenza scenica.

Gregory Kunde.

Interprete privilegiato di numerosi ed importanti titoli rossiniani, tra cui Otello, Gregory Kunde, unico tenore dall’Ottocento ad oggi, ha affrontato e risolto con eccellenti risultati anche l’omonima opera di Verdi, cantata alla Fenice di Venezia, senza dimenticare il contributo dato all’interpretazione della produzione verdiana con il Riccardo di Un ballo in maschera al Teatro Regio di Torino.

 

INIZIATIVA: “L.T.L. (Laboratorio Toscano per la Lirica)-Opera Studio” (Pisa, Lucca, Livorno).
Per il suo essersi posto dal 2001 ad oggi come iniziativa di riferimento territoriale nello sviluppo, produzione e promozione dell'opera in un'ottica di costante ricerca tra repertorio e titoli meno frequentati, l'attenzione ai giovani ed il contenimento dei costi senza venire meno alla qualità.

 

PREMIO SPECIALE: Benito Lenori.
Per la ricostruzione dell’allestimento scenico di Josef Svoboda di Macbeth di Verdi, realizzata con perizia, tecniche e materiali moderni, adatti alle nuove apparecchiature di proiezione e di illuminazione: esemplare esempio di restauro teatrale finalizzato al recupero d’una testimonianza scenica storica altrimenti perduta, e commisurato alle dimensioni e alla dotazione dei palcoscenici dei teatri di tradizione.

 

PREMIO “FILIPPO SIEBANECK”: “All you need is X-Music”, Amici della Musica  di Mestre.

Il progetto ideato e organizzato dagli studenti dell'Università Ca' Foscari di Venezia, dei Licei Giordano Bruno e Franchetti di Mestre, Marco Polo di Venezia, del Conservatorio Benedetto Marcello di Venezia, e coordinato da Mario Brunello, che dà la possibilità di essere protagonisti sul palco dei singoli eventi, ma anche di pensare, gestire, promuovere l'intera rassegna.

 

  

FRATELLI ALINARI - FONDAZIONE PER LA STORIA DELLA FOTOGRAFIA

La Fratelli Alinari è la più antica azienda al mondo operante nel campo dell’immagine e della comunicazione. Venne fondata nel 1852 a Firenze dai fratelli Leopoldo, Romualdo e Giuseppe Alinari e in 160 anni si è affermata come una delle maggiori firme nel campo della fotografia. La sua storia è legata alla nascita e all’evolversi di questo mezzo, si tratta di un legame stretto testimoniato da un patrimonio che si va sempre di più ampliando e da un costante impegno nel campo della comunicazione per immagini.

Oggi gli archivi della Fratelli Alinari e le collezioni del Museo di Storia della Fotografia, nato nel 1985, custodiscono un patrimonio prezioso che interessa non solo la storia degli Alinari fotografi ma tutta la fotografia italiana e internazionale dal XIX secolo fino ai nostri giorni. Ci sono opere realizzate dai più grandi fotografi dell’Ottocento e del Novecento sia italiani che stranieri: una collezione che conta 5.500.000 originali tra negativi bn e colore su vari supporti, dalle antiche lastre ai moderni fotocolors, album originali e positivi in tiratura d'epoca come negativi calotipi, dagherrotipi, stampe su carta salata, all’albumina, al bromuro, etc.

Alle stampe fotografiche e ai negativi si aggiungono, poi, le raccolte di macchine fotografiche, pubblicità, documenti e oggetti correlati alla fotografia e che di diritto devono essere considerati come pezzi integranti della sua storia. È parte del patrimonio anche una biblioteca specializzata in Storia della Fotografia che conserva oltre 20.000 volumi dedicati al settore: dai primi resoconti sulla nuova invenzione di Daguerre ai più noti manuali di tecnica del XIX secolo, dalle riviste fotografiche europee e internazionali ai più recenti cataloghi internazionali. Nel loro complesso le collezioni Alinari testimoniano l’opera e l’evoluzione artistica e tecnica della fotografia.

Da questo costante impegno e da questa passione, nel 1998, è nata la Fratelli Alinari Fondazione per la Storia della Fotografia che ha l’obiettivo di tutelare, promuovere e valorizzare tutto ciò che è riferito all’ambito della fotografia e alla sua storia.
La Fondazione svolge, in questo senso, varie attività. Tra i suoi interessi principali c’è la gestione del programma espositivo e delle attività scientifiche e formative del MNAF, Museo Nazionale Alinari della Fotografia, oltre che la realizzazione di progetti espositivi in  collaborazione con le  più importanti istituzioni internazionali sia in Italia che all’estero. Negli ultimi mesi, ad esempio, ha curato, in collaborazione con l’Atelier Doisneau, la grande mostra “Paris en liberté” dedicata a Robert Doisneau che è stata ospitata a Roma al Palazzo delle Esposizioni e che è stata visitabile  fino al 5 maggio a Milano allo Spazio Oberdan. La mostra fa parte di un ciclo di esposizioni che  legano la Fondazione alla Ville de Paris, per portare, nei prossimi mesi in Italia, i grandi maestri della fotografia francese.

La Fondazione è molto impegnata anche nella formazione. Organizza seminari e workshop di interesse sia storico che contemporaneo, sull’arte, sulla tecnica, sulle tematiche semiologiche e critiche inerenti alla produzione fotografica e si occupa della digitalizzazione e catalogazione di archivi fotografici. Dal 1996 con l'Opificio delle Pietre Dure ha istituito, inoltre, il Laboratorio di Restauro della Fotografia che si pone come qualificato centro di riferimento nazionale per tutto ciò che riguarda la conservazione e  il restauro di materiali fotografici.

 

MNAF. Museo Nazionale Alinari della Fotografia

Inaugurato nell’ottobre 2006, il MNAF si trova all’interno del quattrocentesco edificio detto ‘delle Leopoldine’ in Piazza Santa Maria Novella nel cuore di Firenze. Si divide in due aree: una dedicata alla collezione permanente con i Maestri dell’XIX e XX secolo - dai fratelli Beato ai Wulz, da Henri Cartier Bresson a Robert Capa, a Diane Arbus e altri - che espone rare fotografie originali, negativi d’epoca, album e preziosi apparecchi fotografici e una che ospita le mostre temporanee dedicate sia alla fotografia storica che contemporanea.

Visitando il MNAF si ha la possibilità di compiere un percorso attraverso la storia della fotografia a partire dal 1839, anno in cui furono realizzati i primi dagherrotipi, fino alle immagini digitali contemporanee approfondendo le sue diverse declinazioni sia estetiche che tecniche.

 

All’interno del museo, inoltre, l’Unione Italiana Ciechi e la Stamperia Braille della Regione Toscana hanno collaborato con la Fondazione Alinari alla realizzazione di un percorso specializzato che rende il museo accessibile anche al pubblico non vedente. 

Si tratta del Museo Tattile, un percorso costituito da 20 fotografie e oggetti riprodotti a rilievo e accompagnati da tavole illustrative in braille. Il Museo Tattile permette ai visitatori di seguire le principali fasi della storia della fotografia e di conoscere, attraverso il tatto, alcuni dei più significativi fotografi e delle immagini esposte nel museo.

Nelle sue sale espositive, invece, il MNAF ospita adesso un’importante mostra sul fotografo americano Joel-Peter Witkin, “Il Maestro dei suoi Maestri” (di cui abbiamo parlato nel nostro blog), visitabile fino al 24 giugno e, a seguire, un’esposizione dedicata a Maria Orioli.
Nel corso degli anni la programmazione del museo è stata molto ricca e differenziata. Ampio spazio è stato dato sia alla fotografia contemporanea, con fotografi come Brian Duffy e Adi Nes, che ai grandi maestri come Walker Evans o ai rapporti tra  fotografia e arti visive, come per le esposizioni dedicate ai Macchiaioli e al Futurismo.

Il Museo ha portato avanti importanti collaborazioni come con la Collezione Bouqueret in occasione della mostra “Parigi capitale della fotografia, 1920-1940” o con i Rencontres d’Arles per “Gli Archivi Alinari e la sintassi del mondo. Omaggio a Italo Calvino”. L’intento è sempre stato quello di rivolgersi ad un pubblico ampio, non solo di appassionati e specialisti, e di far emergere la fotografia in tutti i suoi aspetti come uno dei mezzi più affascinanti per raccontare la realtà e il mondo.

 

MUST-ALINARI

Nella sede storica dello stabilimento Alinari, dove tuttora si trovano le collezioni e gli uffici, si può visitare anche il MUST-ALINARI.
Il Museo Storico Alinari dà la possibilità di vedere alcuni ambienti dello stabilimento, in particolare: l’insieme degli Archivi Storici; la lastroteca dove sono conservati i negativi su vetro prodotti fin dal 1863; la Stamperia d’Arte nella quale, utilizzando macchinari storici, si continua la tradizione della stampa in collotipia; le attrezzature e gli ambienti nei quali ancora oggi si eseguono stampe fotografiche dai negativi originali e i documenti relativi alla storia degli Alinari.
In occasione della visita si può entrare, inoltre, nelle sale di conservazione delle Raccolte Museali Fratelli Alinari dove si trovano i materiali fotografici originali che costituiscono una collezione unica sulla storia della fotografia internazionale.

 

Per maggiori informazioni, http://www.alinarifondazione.it/

 

 

 

"PRIMA DELLE PRIME"
DEL TEATRO ALLA SCALA e DEGLI AMICI DELLA SCALA

GÖTTERDÄMMERUNG

 

Giovedì 9 maggio, ore 18

Teatro alla Scala - Ridotto dei palchi "A. Toscanini"

Ingresso libero fino a esaurimento posti

 

Götterdämmerung di Richard Wagner

 

Nell’incontro "Il crollo del Walhalla" con ascolti, ne parla Franco Serpa, germanista e professore nell'Università di Trieste e accademco di Santa Cecilia.

 

Götterdämmerung, direttore Daniel Barenboim, regista Guy Cassiers, sarà in scena dal 18 maggio al 7 giugno.

 

 

 

SUL PALCO DELLA SCALA

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OBERTO CONTE DI SAN BONIFACIO

 

Prima opera ufficiale nel catalogo verdiano, Oberto conte di San Bonifacio su libretto di Antonio Piazza e Temistocle Solera, rappresentato alla Scala il 17 novembre 1839 (che pare abbia avuto un precedente abbozzo in Rochester nel ’36), è stato oggetto a “Prima delle prime” di una articolata presentazione di Alberto Rizzuti dal titolo, “L’esordio: un dramma a personaggi, La giovinezza (Verdi 1813-1840)", al pianoforte e con ascolti. Come ha rilevato Rizzuti, l’opera pur presto relegata nell’ombra dalla produzione di Verdi successiva, solo di recente, e a ragione, è stata nuovamente ripresa in considerazione.

 

Il musicologo e studioso verdiano Alberto Rizzuti, docente di Storia della civiltà musicale nell’Università di Torino risponde per voi alle nostre domande:

 

Su Oberto pesa un giudizio severo dallo stesso Verdi, espresso nel 1889, quando si parlava di celebrare il cinquantesimo anniversario della prima rappresentazione dell’opera. Ne fu impedita addirittura la riesumazione. Così Verdi in una lettera a Boito: “Figuratevi se il nostro pubblico, con tendenze tanto diverse di quelle di 50 anni fa, potrebbe avere la pazienza di ascoltare i due lunghi atti dell’Oberto”.

Cosa può aver indotto Verdi a condannare, dopo 50 anni di musica, la sua prima opera? non certo soltanto la sua lunghezza…
No, certo; o meglio, non solo la lunghezza cronometrica. Il problema è la densità, ovvero la concentrazione dell'azione nei singoli numeri. L'opera andò in scena nel 1839, ma la sua gestazione era cominciata qualche anno prima, al culmine dell'era belcantistica. E nulla è più lontano dell'estetica belcantistica dal modo di comporre, ovvero di concepire il dramma, di Verdi. Si dice che il vero Verdi comincia con Nabucco, ma forse è più vero che comincia con Ernani, la prima opera su cui egli poté esercitare un controllo globale, dalla concezione drammaturgica alla redazione del libretto, dall'individuazione (di una parte) dei cantanti alla composizione della musica.

 

Nella stagione scaligera in parte dedicata a Verdi sono compresi i due estremi Oberto e Falstaff capolavoro della maturità. Oberto, opera prima nella quale sono intuibili certamente influenze rossiniane e donizettiane, mostra già qualcosa, un carattere, un accento nuovo? Insomma Verdi è già Verdi?
Difficile dire. Sottoposta in modo anonimo all'attenzione di cento ascoltatori non solo odierni, l'opera sarebbe riconosciuta come verdiana solo da una sparuta minoranza. Nondimeno, tutti hanno imparato il mestiere dai predecessori, e Verdi lo ha fatto non senza difficoltà; il suo maestro, Lavigna, non era un operista di prima grandezza; quando lui arrivò a Milano, Rossini e Bellini erano lontani, dunque le loro opere potevano essere sì viste in teatro, ma studiate solo attraverso le edizioni a stampa; le quali circolavano, è bene ricordarlo, solo in riduzioni pianistiche. Dunque, per un aspetto fondamentale come l'orchestrazione Verdi dovette fare essenzialmente da solo, anche perché da quella di maestri come Donizetti, Pacini o Mercadante, che viceversa ebbe modo di conoscere personalmente, non avrebbe avuto granché da imparare.

 

Nel nostro canale YouTube potete trovare degli estratti video della conferenza Prima delle prime dello scorso 5 aprile.

 

 

GISELLE

 

Fino al 4 maggio il Balletto della Scala riporta in scena Giselle, indimenticabile coreografia di Coralli-Perrot nella ripresa di Yvette Chauviré, che proprio con la raffinatezza della sua interpretazione del ruolo di Giselle ha consegnato la sua fama al mondo. Giselle continua ad affascinare il pubblico, a commuoverlo con la sua storia delicata, a coinvolgerlo grazie alla tecnica e alla sensibilità dell’interpretazione dei protagonisti, in ruoli davvero esemplari del repertorio accademico.

 

Durante "Prima delle prime" dello scorso 24 aprile Alfio Agostini ha parlato al pubblico di quello che probabilmente è "il balletto più famoso del mondo". Oggi forse la moda del "Lago" gli insidia questo primato, ma Giselle resta il titolo più noto e significativo del balletto propriamente romantico, fatto di ballerine in tutù lungo, di atmosfere lunari e stregate e al tempo stesso di passioni umane forti e toccanti. Capolavoro del Romanticismo in danza, Giselle nasce tuttavia dalla maturazione della tecnica detta "classica" compiuta all'inizio dell'Ottocento e resta un paradigma e un ruolo irrinunciabile per tutte le più grandi ballerine "classiche".

 

 

GÖTTERDÄMMERUNG

 

Il vocabolo tedesco Götterdämmerung deriva dal norvegese antico Ragnarök, termine che nella mitologia scandinava faceva riferimento alla distruzione degli dei in una epica battaglia contro le forze del male, preceduta da un inverno lungo tre anni e da un profondo decadimento morale, che si conclude con la fine del mondo. Lo stesso termine tedesco è sporadicamente usato oggi nella lingua inglese per indicare una disastrosa conclusione degli eventi. Nel clima culturale ottocentesco, con il Romanticismo che diffonde l’esigenza di riscoprire le radici della civiltà nazionale scegliendo spesso come tema privilegiato saghe e leggende, Wagner nutre un profondo interesse per la mitologia nordica in cui la componente di spicco è proprio la ricca invenzione di episodi e personaggi fantastici, inseriti in un contesto in cui la magia è predominante. Nella composizione del ciclo del Ring, Wagner fa riferimento soprattutto alle opere di maggiore influenza nella mitologia nordica: il Nibelungenlied, il Volsungasaga, e ai due cicli dell’Edda poetica e dell’Edda in prosa, tutte composte tra il X e il XIII sec. Dei quattro libretti della Tetralogia, quello della Götterdämmerung, che rappresenta la terza e ultima giornata del ciclo del Ring, è quello che Wagner scrisse per primo, nel 1848, attingendo profondamente dalle opere sopra citate e condensando i suoi studi sulle saghe del mito dei nibelunghi.

 

 

 

GLI AMICI DELLA SCALA SUL WEB  

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Milano, 07/05/2013

 

 

 

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ARCHIVIO NEWSLETTER

- aprile 2013

I PERSONAGGI AGLI AMICI DELLA SCALA

ALEXANDER RASKATOV è intervistato nella nostra sede

È venuto a trovarci nella nostra sede Alexander Raskatov per donarci una sua intervista

Lei è originario di Mosca?
Sono nato a Mosca il giorno dei funerali di Stalin, fortunatamente o sfortunatamente: il 9 marzo 1953. Lo stesso giorno si celebravano anche i funerali di Sergej Prokof’ev. Pensi: mi hanno raccontato che in quelle ora era impossibile comprare fiori, perchè erano stati tutti venduti per il funerale di Stalin. Gli amici di Prokof’ev si videro costretti a portare quelli che tenevano nelle loro case: gerani, cactus…
Adesso non vivo più a Mosca. Ho lasciato la mia città natale nel 1994. Prima sono andato a lavorare in Germania, invitato da Andreij Valkonski, che aveva sentito la mia musica. Ora vivo a Parigi.

Cosa le hanno raccontato di quel giorno?
È stato un momento speciale, difficile. Mio padre era chirurgo e lavorava in un ospedale: quel giorno gli arrivò l’ordine di sgomberare l’ospedale perchè si aspettavano molto feriti, schiacciati dalla folla che partecipava al funerale di Stalin. Mio padre mi ha raccontato che in ospedale è arrivata solo una persona ferita: migliaia sono morti in strada, uccisi dalla calca, in un punto dove il percorso si stringeva e non c’era via di scampo. Si dice che Stalin fosse una persona così cattiva che riuscì a portare con sé altri morti, il giorno del suo funerale.

Il giorno in cui è nato sono stati dunque celebrati sia i funerali di Stalin sia quelli di Prokof’ev. Ritiene che questo sia stato un fatto simbolico per la Sua vita?
Sono sicuro che non succede mai niente per caso. Facciamo tante cose seguendo il nostro istinto e le intuizioni. Quando già ero via da Mosca io e mia moglie abbiamo visto assieme un film documentario sui funerali di Stalin. Mia moglie mi ha detto: “Adesso ho capito perchè hai questo carattere speciale!”

Com’è il Suo carattere?
Mi risulta difficile descrivere me stesso. Sono preoccupato, ansioso; per me è difficile rilassarmi.

A che età ha iniziato a capire la musica?
Quando avevo 5 anni mi hanno regalato della musica registrata. Lo creda: stavo da solo in camera facendo finta di essere un direttore d’orchestra. A 6 anni conoscevo già a memoria le musiche e i concerti di Bach, di Mozart. Non leggevo le note, ma con la memoria ricordavo tutto. Prima ancora di scrivere la musica, amavo ascoltarla e mi prendeva in modo così forte che a volte piangevo. Alla radio ascoltavamo sempre musica classica. Ho studiato pianoforte, senza pensare che sarei diventato un compositore... (continua)

Per leggere l'intervista integrale clicca qui

15 FEBBRAIO 2013, UN PREMIO: 

EXCELLENT

Lo scorso 15 febbraio si è tenuta, nella splendida cornice dell'Hotel Principe di Savoia, la cerimonia di assegnazione del Premio Excellent, promosso da Communication Agency di Mario Mancini, che premia per tradizione i protagonisti dell’industria turistico-alberghiera italiana e personalità di spicco del mondo culturale, istituzionale e imprenditoriale, impegnate nella valorizzazione del made in Italy.

Il Premio, "considerato, ormai per antonomasia, il più autorevole riconoscimento, l’Oscar italiano, assegnato nell’ambito del turismo", e che ha come Presidente della Giuria l'On. Ombretta Fumagalli Carulli, è andato nel corso degli anni a personalità quali ad esempio Gilberto Benetton, Evelina Christillin, Joaquin Navarro Valls, Santo Versace, Umberto Veronesi, Ferruccio De Bortoli.

Nell'ambito dell'edizione del 2013, alla nostra Presidente Anna Crespi Morbio è stato assegnato all'unanimità il riconoscimento speciale Excellent. Questa la motivazione ufficiale: "Con gli Amici della Scala Anna Crespi Morbio dà prezioso sostegno non solo alla più importante istituzione culturale di Milano, ma anche allo sviluppo della vita artistica e intellettuale della città".

Una grande soddisfazione per gli Amici della Scala e per la nostra Presidente.

LE NOSTRE INTERVISTE

ENRICO GIRARDI

Anna Crespi ha intervistato Enrico Girardi, critico musicale del "Corriere della Sera" e docente all'Università Cattolica di Milano. Ha raccontato un po' di lui e del suo rapporto con la musica.

Quando hai iniziato a studiare musica?
Ho studiato musica fin da piccolo, perché era abitudine di famiglia; andavo ai concerti e alla Scala. Da subito mi sono innamorato in maniera totale ed esclusiva della musica e ho capito immediatamente che era la cosa che più di ogni altra mi interessava. Verso la musica ho indirizzato le mie energie, ho continuato l’università con un dottorato in musicologia.

Perché ti piace la musica?
C’è stata una immediata corrispondenza emotiva: la passione di tipo "fisico" è precedente allo studio. Ascoltavo tutti i dischi possibili, andavo a tutti i concerti, con una voracità disordinata, ma senza riserve. Prima di tutto è un fatto di totale corrispondenza; solo dopo è diventato un fatto di cultura ed educazione.

Questa corrispondenza è un dono raro?
L’istintività di questa corrispondenza è un dono, così lo è una certa capacità di capirla, di coglierla: fin da piccolo riconoscevo le tonalità di ogni brano che ascoltavo.
Tante persone hanno il dono della musica, ma non basta, bisogna coltivarlo; molti non sono consapevoli di possederlo perché non hanno alle proprie spalle un contesto culturale o una famiglia che lo favorisca.

Una persona può essere inconsapevole di questa forza?
Tanta gente scopre a una certa età cosa lo appassiona veramente, ma ormai è troppo tardi per poter dedicare a essa tutto il tempo che richiede.

Se ti capitasse di diventare sordo cosa ne sarebbe di te?
All’inizio ascoltavo tutto, mi interessava tutto. Era una passione onnivora e disordinata. Con il passare degli anni mi accorgo che ascolto sempre meno. Quando l’ascolto è consapevole, è una pratica anche faticosa, stanca; per questo cerco di selezionare sempre poche cose, ma che mi interessano veramente. Sarebbe orribile rimanere sordi, ma a questo punto della vita non sarebbe una tragedia.

Per leggere l'intervista integrale clicca qui

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Enrico Girardi è anche il promotore di un ciclo di 4 lezioni su Wagner, in occasione delle celebrazioni del bicentenario, alla Fondazione Ambrosianeum.

Questo il programma:

- 10 aprile 2013 ore 19: Introduzione a Das Rheingold ("L'oro del Reno")

- 17 aprile 2013 ore 19: Introduzione a Die Walküre ("La Valchiria")

- 8 maggio 2013 ore 19: Introduzione a Siegfried ("Sigfrido")

- 15 maggio 2013 ore 19: Introduzione a Götterdämmerung ("Il crepuscolo degli dèi")

Per maggiori informazioni potete visitare il sito della Fondazione Ambrosianeum.

UMBERTO PAOLUCCI 

intervistato nella nostra sede

Intervista a Umberto Paolucci, pioniere di Microsoft in Italia. Dopo essere stato incaricato direttamente da Bill Gates nel 1985 di aprire la prima filiale italiana, è divenuto poi vice presidente di Microsoft Corporation e Senior Chairman di Microsoft Europa, Medio Oriente e Africa. Ha inoltre ricoperto la carica di Presidente dell’American Chamber of Commerce in Italia, e dell'ENIT, l'Agenzia Italiana per il Turismo. È inoltre consigliere di amministrazione di Geox SpA, Coesia SpA, Banca Profilo SpA, Aeffe SpA, Pirelli SpA..

Come ha cominciato?
Ho cominciato in una società importante nel 1971, la Hewlett Packard, e mi occupavo di software, di programmazione, pur essendo laureato in ingegneria elettrotecnica. La mia laurea non aveva a che vedere nulla con il software, che a quei tempi non era oggetto di studi universitari. Ma provavo e volevo far parte di questo mondo, che è sì un mondo di logica, ma anche di astrazione, di creatività. Mentre il mondo delle macchine, dell’elettricità, per il quale avevo studiato, è un mondo più definito, chiuso. Lo spazio di libertà di pensiero che si può applicare allo sviluppo software mi ha affascinato e ho iniziato a lavorare nel settore. La mia prima esperienza è stata in una società americana. E da allora ho lavorato 40 e passa anni nel software.

A me sembra che hai due anime. Parti dalla razionalità e dalla logica, per arrivare all’astrazione e alla creatività, pur mantenendo la parte razionale. Questo ti rende un uomo completo. Come è stato il percorso per unire questi due aspetti apparentemente contrapposti? Sono rimaste delle contraddizioni o è stato facile?
Nulla è mai facile. La mia vocazione, l’ispirazione principale non è mai venuta dalle "questioni tecniche", ma sempre dagli elementi che appartengono più strettamente alla dimensione dell’uomo. Mi sono sempre visto come un umanista nonostante facessi l’ingegnere. I ponti così come i software, li fanno gli uomini. Io ho sempre mirato e sono sempre stato interessato agli uomini che c’erano dietro piuttosto che ai singoli tralicci del ponte. Se avessi dovuto scegliere puramente in base alle mie passioni, avrei sicuramente scelto di studiare lettere, non ingegneria. Ma ho deciso di fare ingegneria per senso di disciplina, per poter garantire un futuro migliore alla la mia futura famiglia, cosa che vedevo più difficile diventando professore. Non dovrei dirlo, ma sin dal liceo ero in classe sempre il migliore; ero affascinato dalla filosofia e da quel mondo. Avevo nove. Invece nelle materie tecniche e scientifiche ero bravo, ma solo per senso del dovere, non per vocazione. Perché mi impegnavo. Al liceo riuscivo bene anche per questo, per l’impegno. Non era la mia vocazione ma senso del dovere. Fosse stato per me avrei scritto solo temi e studiato sempre filosofia e storia

Quindi ingegneria ti ha creato delle radici concrete. Se non avessi fatto ingegneria, saresti riuscito in tutto questo?
No, sicuramente no. Non credo proprio, perlomeno non in Microsoft. Mi sarebbe piaciuto anche fare il medico, perche mio padre era medico. Quando dovevo scegliere la facoltà, mio fratello, di 12 anni più grande di me, era già professore universitario. Pediatra, è stato un grande medico e un grande scienziato. Un grande uomo, presidente della Società Italiana di Pediatria, fondatore dell’oncologia pediatrica. Pensavo quindi che non potevo mettermi a rincorrere mio fratello che era già così bravo e in vantaggio. E allora non ho scelto medicina ma ingegneria.

Quello che hai fatto che impatto ha avuto su di te?
Prima di Microsoft ho lavorato in un’azienda americana che era all’avanguardia nel software, con sede in California. Poi in Microsoft ho avuto la fortuna di entrare in una società che è diventata rapidamente il numero 1 al mondo. Quando sono entrato negli anni ‘80 erano 1000 persone, quando sono andato, due anni fa, erano più di centomila nel mondo.
L’incontro con Bill Gates è stata anche un’intesa umana, non solo lavorativa. Bill ha undici anni meno di me.

Cosa ha visto in te Bill Gates?
Si dovrebbe chiederlo a lui. Ma penso che abbia visto una persona affidabile… In 25 anni in Microsoft, con crescenti responsabilità, sin da quando sono entrato come responsabile solo della filiale italiana, non ho mai mancato gli obiettivi. Li ho sempre raggiunti. Cosa non da poco. Tutti i paesi di cui ero responsabile facevano quello che dovevano fare. Ho sempre raggiunto gli obiettivi che mi davano. In un’azienda gli obiettivi e i traguardi sono molto sofisticati, non si tratta solo del fatturato, ma anche della crescita umana e professionale delle persone; ci sono tanti obiettivi e diversi tra loro. Ero una persona affidabile

E tutte queste cose ti hanno aiutato a diventare completo?
Mi hanno aiutato soprattutto a far crescere molte persone, che lavoravano con me. E non c’è niente che può farti crescere di più che aiutare i giovani a crescere. E io l’ho fatto per tanti anni. Mi ha aiutato. E mi ha aiutato anche a rimaner giovane. Ero in contatto con delle persone giovani e di talento, perché arrivavano persone di talento, o le assumevo scegliendole io. Quelle a cui facevo da mentore, le facevo crescere velocemente. Imparavo io da loro e loro imparavano da me. Questa è stata la cosa più bella. Quando sono venuto via, pochi mesi prima, una delle mie ragazze che ho fatto crescere, che prima era responsabile della filiale Australiana, è diventata responsabile di tutta l’area del Pacifico e Far East. Un terzo di mondo. È una ragazza che mi chiamava quando aveva un problema, in ogni momento da qualsiasi parte del mondo. Ha avuto e ha una responsabilità incredibile. A 45-46 anni è diventata vicepresidente, pur continuando a far la mamma.

Lavoravi meglio con gli uomini o con le donne?
Con entrambi. Mi comportavo diversamente a seconda delle persone, ma avevo sicuramente soddisfazione con tutti.

Le tue responsabilità erano internazionali...
La cosa più bella è che avevo a che fare con culture diverse. Ho tirato su un ragazzo che era il capo per Israele, uno per il Brasile, un altro per l’Arabia Saudita. Poi Norvegia, Danimarca, Austria, Grecia... Li selezionavo e li facevo crescere.
Quando si diventa Amministratore Delegato o responsabile di una filiale, non è un punto di arrivo, ma un punto di partenza per responsabilità più grandi.

Bill Gates, è più giovane di te, sceglie te come amico che sei 11 anni più grande. Lui ha fatto crescere te o tu hai fatto crescere lui?
Beh lui non è una persona misurabile con parametri normali. Lui è un gigante. Io lavoravo con lui quando doveva ancora compiere 30 anni. Ricordo la sua festa per i 30 anni a Seattle. Ma è sempre stato un gigante.
Anche io gli ho sicuramente dato diverse cose, ma ero io a imparare da lui.
Pensa che ho fatto fare l’analisi della sua calligrafia, senza rivelare il suo nome, quasi per scherzo. Queste analisi le facevo fare prima di assumere dirigenti, per vedere se erano adatti al ruolo. Dalle analisi era emerso che era una persona fuori da ogni misura e metro, gigante, ingestibile, una forza della natura. Solo dalla calligrafia. E mi hanno consigliato di non assumerlo per non mettermi in casa una bomba atomica. "Ma che lavoro vuoi fargli fare? La responsabilità di una nazione? Ma non puoi, è come mettere in una casa minuscola un gigante, non c’entra…"

Come persona, dal punto di vista emozionale, che effetto ti ha fatto lavorare vicino a un "gigante"?
Bill è un uomo straordinario che entra nella storia. Io ero già una persona molto disciplinata. Avevo la cultura del fare e del farlo bene; sono caratteristiche che mi appartenevano già ma sono cresciute. E lui era molto rigoroso e durissimo. Se sbagliavi ti dava delle bacchettate terrificanti. A me ha bacchettato una volta sola. Ma poi mi ha chiesto scusa. Mi ha ripreso perché non ero riuscito a concludere una trattativa con la Olivetti. Voleva assolutamente che la concludessi. Poi l’ho conclusa e si è scusato. Con me è sempre stato molto gentile e un caro amico. Lo è anche ora. Ha cambiato la mia vita, gli voglio bene.

Ti ha fatto anche da padre? Tuo padre che faceva?
No quello no. Mio padre era pediatra. Esercitava la professione, mentre mio fratello aveva percorso la carriera universitaria. Mio padre era molto serio e impegnato. Non aveva amici, solo famiglia e lavoro. Anche lui aveva iniziato la carriera universitaria, poi ha conosciuto mia mamma che gli ha chiesto di andare a stare a Cattolica, troncando la sua carriera universitaria. Ha lavorato sempre, fino a 86 anni, ma senza avere amici. Perché l’amicizia nasce dalla capacità di dialogare, di trovare persone con interessi comuni. E’ mancato a 94 anni, dopo 64 anni di matrimonio e 70 di professione medica. Ha curato 3 generazioni di bambini, tutti gli volevano bene.

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GIOVANNA BEMPORAD

18 marzo 2013 Biblioteca Sormani, Sala Grechetto

Durante la manifestazione organizzata dalla'Associazione Archivio Dedalus, in occasione della presentazione del carteggio inedito di Giovanna Bemporad, Anna Crespi è stata invitata a parlare della loro amicizia.

Giovanna Bemporad è in prima fila tra gli autori di riferimento nella tradizionbe letteraria italiana. Ci ha lasciato oltre a un suo corpus di opere poetiche le splendide versioni di Eneide e Odissea.

LA NOSTRA AMICIZIA CON LE ISTITUZIONI

PINACOTECA DI BRERA

È terminata lo scorso mese la mostra che la Pinacoteca di Brera ha dedicato al più antico mazzo di tarocchi italiano completo (che è anche il più antico esistente al mondo), noto come mazzo Sola Busca dai nomi dei precedenti possessori. Il prezioso e importantissimo mazzo è stato acquistato nel 2009 dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, che ha esercitato il diritto di prelazione, e l’ha destinato alla Pinacoteca di Brera.

A questo proposito, dall’esaustivo materiale ufficiale di presentazione della mostra è possibile ricavare molte informazioni: "Anzitutto è il più antico mazzo completo, composto da ben 78 carte, 22 'trionfi' e 56 carte dei quattro semi tradizionali italiani (denari, spade, bastoni e coppe). Si tratta di stampe su carta da incisioni a bulino, montate anticamente su cartoncino, che sono poi state miniate a colori e oro. In secondo luogo, l’iconografia dei 'trionfi' si discosta da quella più tradizionale dei mazzi quattrocenteschi, una sequenza che dal 'Bagatto' arrivava fino al 'Mondo' e al 'Giudizio Universale' ('Angelo'), in una sorta di percorso di elevazione del giocatore dalle condizioni più legate alla terra fino a Dio. Nei tarocchi Sola Busca, invece, i 'trionfi' ospitano una serie di figure di guerrieri dell’antichità romana (in molti casi legati alla saga di 'Mario'), ovvero eroi della storia biblica, legandosi in qualche modo alla tradizione degli Uomini illustri proposti come exempla da imitare, che affondava le sue radici nella cultura medievale, da Petrarca a Boccaccio, utilizzati come fonti da molti artisti…".

Noi Amici della Scala abbiamo dedicato un omaggio alla straordinaria esposizione, che vuole essere anche omaggio alla Pinacoteca di Brera e alla e sua Soprintendente e Direttore Sandrina Bandera, a cui va il nostro sentito ringraziamento.

Questo il link per poter vedere il video.

"PRIMA DELLE PRIME"
DEL TEATRO ALLA SCALA e DEGLI AMICI DELLA SCALA

OBERTO CONTE DI SAN BONIFACIO

Venerdì 5 aprile, ore 18

Teatro alla Scala - Ridotto dei palchi "A. Toscanini"

Ingresso libero fino a esaurimento posti

Oberto conte di San Bonifacio di Giuseppe Verdi

Nell’incontro "L'esordio un dramma a personaggi. La giovinezza (Verdi 1813-1840)" con ascolti e intermezzi al pianoforte, ne parlerà Alberto Rizzuti, docente di Storia della civiltà musicale nell'Università di Torino.

Oberto conte di San Bonifacio, direttore Riccardo Frizza, regista Mario Martone, sarà in scena dal 17 aprile al 14 maggio.

GISELLE

Mercoledì 24 aprile, ore 17

Teatro alla Scala - Ridotto dei palchi "A. Toscanini"

Ingresso libero fino a esaurimento posti

Giselle di Jean Coralli-Jules Pennaut

Giselle, nella ripresa coreografica di Yvette Chauviré dalla coreografia originale di Jean Coralli-Jules Perrot sarà in scena dal 26 aprile al 4 maggio.

SUL PALCO DELLA SCALA

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MACBETH

Presentato al Teatro della Pergola di Firenze nel 1847, il Macbeth di Giuseppe Verdi, su libretto di Francesco Maria Piave con interventi di Andrea Maffei, è la prima concretizzazione del duraturo confronto di Verdi con il teatro di Shakespeare. Daniele Carnini, nella bella presentazione dell’opera agli Amici della Scala dal titolo "A preferenza delle altre mie opere. Voci dal Macbeth. Gli ultimi anni di galera (Verdi 1847-1850)", con ascolti, ha evidenziato quanto il Macbeth sia innovativo non solo per il genere fantastico, ma per altri tratti distintivi quali la supremazia data al coro femminile, l’uso della fantasmagoria e l’accuratezza di un sorprendente décor.

Macbeth, direttore Valery Gergiev (28 marzo; 2, 4, 7, 9 aprile), e Pier Giorgio Morandi (13, 16, 18, 21 aprile), regista Giorgio Barberio Corsetti, è in scena alla Scala fino al 21 aprile.

Abbiamo rivolto due brevi domande al maestro Daniele Carnini, docente di musicologia all'Università La Sapienza di Roma, oratore che ne ha parlato approfonditamente durante il "Prima delle prime" dedicato all'opera di Giuseppe Verdi lo scorso 19 marzo.

Cosa significa, quali novità apporta il Macbeth nel complesso della produzione verdiana?

Macbeth è un'opera programmaticamente nuova. Il titolo del mio intervento «A preferenza delle altre mie opere» è tratto dalla dedica di Verdi a Barezzi. Questa "preferenza" è vera, ed è dimostrabile.
Verdi desiderava scrivere Macbeth, che, certo, restò in ballo con altri due soggetti per la stagione della Pergola e furono le circostanze del teatro fiorentino ad essere favorevoli a un'opera senza un tenore di prima sfera, e con grande intervento delle macchine teatrali (la Pergola era un teatro "sperimentale", e Verdi aveva seguito con particolare interesse la vicenda delle rappresentazioni meyerbeeriane degli anni precedenti). Però possiamo affermare con una certa sicurezza che Macbeth, Verdi, lo avrebbe scritto, prima o poi. E che nessuna opera shakespeariana tra quelle verdiane sarà così fedele al dramma originario: lettera e spirito. «Il soggetto è preso da una delle più grandi tragedie che vanti il teatro e io ho cercato di farne estrarre tutte le posizioni con fedeltà, di farlo verseggiare bene e di farne un tessuto nuovo e di fare della musica attaccata, il più che poteva, alla parola ed alla posizione; ed io desidero che questa mia idea la comprendano bene gli artisti, in somma desidero che gli artisti servano meglio il poeta che il maestro.»
Un'opera senza intreccio amoroso. Un'opera che abbonda in sovrannaturale (il coro delle streghe e le apparizioni: «Insomma le cose da curare molto in quest’opera sono: Coro e Machinismo», scrive Verdi).
Ma questa è solo la vernice. Macbeth è sconvolgente perché è un dramma psicologico sull'uomo e sul potere. Da Macbeth in poi, ogni opera sarà per Verdi un modo di comunicare la propria visione del mondo. Senza proclami alla Wagner, e con un pessimismo che troverà poi nuovi modi di esprimersi dopo gli avvenimenti del 1848.
Adesso si cerca sovente di ricondurre lo straordinario all'ordinario, e dimostrare che (cosa peraltro per molti aspetti vera) non esistono "scoperte", non ha senso l'arroganza del primus ego. Ma Macbeth fu un'avventura tanto straordinaria che non fu appieno capita.
E questo ci porta alla seconda domanda.

Per quali ragioni Macbeth ha dovuto aspettare la metà del Novecento, più di un secolo, per ritrovare il successo iniziale?

La versione 1847 circolò moltissimo ma non ebbe lo stesso successo dei Nabucco, Lombardi, per non parlare delle opere da Rigoletto in poi. Ricordando che delle opere sino a Rigoletto pochissime entrarono nel canone verdiano. La versione del 1865 fu un fiasco, e in Italia non circolò, così come nessuna delle opere parigine di Verdi, anche le massime, poté avere mai successo paragonabile a quelle italiane. Per pregiudizio e per oggettive difficoltà.
Nella versione del 1865 le pagine vecchie e nuove coesistevano: Macbeth ne risultava un'opera imperfetta (per inciso, sorte condivisa da molte opere verdiane, che adesso amiamo forse più di quelle "levigate").
Poi: Macbeth non è un'opera per virtuosi, o meglio, se il virtuoso non è grande attore (cfr. le parole di Verdi sulla scena del Sonnambulismo) non può riscuotere successo.
Infine, un'opera senza tenore e con una parte importantissima per il coro, non fu sempre facile da proporre al pubblico.
Nel corso del Novecento, epoca di registi e direttori d'orchestra, la modernità della creazione verdiana fu afferrata e Macbeth fu, appunto, riscoperto.
Ma già nel 1847 tutti i protagonisti erano sicuri della novità dell'opera. Da Piave allo stesso Verdi.
Non si erano sbagliati.

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Milano, 02/04/2013

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ARCHIVIO NEWSLETTER

- marzo 2013

"Io Papa Celestino V, spinto da legittime ragioni, per umiltà e debolezza del mio corpo […] abbandono liberamente e spontaneamente il pontificato, e rinuncio espressamente al trono, alle dignità dell’onore e all’onore che esso comporta, dando sin da questo momento al Sacro Collegio dei Cardinali la facoltà di scegliere e provvedere secondo le leggi canoniche, di un pastore la chiesa universale".

Celestino V - Bolla pontificia, Napoli, 13 Dicembre 1294

"Dopo aver ripetutamente esaminato la mia coscienza davanti a Dio, sono pervenuto alla certezza che le mie forze, per l’età avanzata, non sono più adatte per esercitare in modo adeguato il ministero petrino [...] Nel mondo di oggi, soggetto a rapidi mutamenti e agitato da questioni di grande rilevanza per la vita della fede, per governare la barca di san Pietro e annunciare il Vangelo, è necessario anche il vigore sia del corpo, sia dell'animo, vigore che, negli ultimi mesi, in me è diminuito in modo tale da dover riconoscere la mia incapacità di amministrare bene il ministero a me affidato. Per questo, ben consapevole della gravità di questo atto, con piena libertà, dichiaro di rinunciare al ministero di Vescovo di Roma, Successore di san Pietro, a me affidato per mano dei Cardinali il 19 aprile 2005, in modo che, dal 28 febbraio 2013, alle ore 20,00, la sede di Roma, la sede di San Pietro, sarà vacante e dovrà essere convocato, da coloro a cui compete, il Conclave per l'elezione del nuovo Sommo Pontefice".

Papa Benedetto XVI, Città del Vaticano, 11 Febbraio 2013

LE NOSTRE NOTIZIE

CESARE MAZZONIS E LE SUE RAGNATELE SUL NULLA

Giovedì 7 febbraio, presso la sede degli Amici della Scala, è stato presentato il libro Ragnatele sul nulla di Cesare Mazzonis.

Il libro di Mazzonis, pubblicato dalla casa editrice Le Lettere, è un’opera inusuale, ricca, densa, malinconica, post-moderna, che si potrebbe leggere come la condizione dell’esistente attraverso le riflessioni dell’intelletto.
L’autore si paragona all’insetto che imbastisce ragnatele, cavando materia dal proprio interno e legandola agli appigli che lo circondano: carpisce usi e costumi di letterature e miti per contrastare la morte; cerca di fermare il tempo, come avviene a chi entra nella dimensione fiabesca o in quella arcadica; sogna, attraverso vie strane e misteriose, il percorso verso l’aldilà.

Concepito nel corso di tre decenni, Ragnatele sul nulla rappresenta il teatro e il museo delle riflessioni di un grande intellettuale cosmopolita e poliglotta. Per Mazzonis, direttore artistico dell’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai, direttore artistico di fresca nomina della Accademia Filarmonica Romana, già direttore artistico per 12 anni del Teatro alla Scala, questo volume corrisponde alla volontà di ricostruire un ordine tra le nozioni accumulate, per formare un corpo che non sia destinato, come quello umano, a disperdersi.

Ad affiancare l’autore in un appassionante dialogo erano presenti Piero Gelli e Armando Torno.

Alla manifestazione erano presenti molte personalità di spicco del mondo (e della Milano) culturale e artistico, tra cui Sandrina Bandera, Carlo Bertelli, Luigi Brioschi, Roberto Calasso, Pier Angelo Carozzi, Carlo Maria Cella, Filippo Crivelli, Oriella Dorella, Inge Feltrinelli, Rocco Filippini, Gastón Fournier-Facio, Carla Fracci e Beppe Menegatti, Tomás Maldonado, Nandi Ostali, Quirino Principe, Luca Ronconi, Luciana Savignano, Luisa Spinatelli.

LE NOSTRE INTERVISTE

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STEFANO MAURI

La nostra Presidente Anna Crespi ha realizzato una breve intervista all'editore Stefano Mauri, presidente del Gruppo Editoriale Mauri Spagnol, amministratore delegato di Longanesi & C., Garzanti Libri, Guanda, Corbaccio e R.L. Libri; vicepresidente di Messaggerie Italiane, membro del consiglio d’amministrazione della Fondazione Arnoldo e Alberto Mondadori.

Tu hai vissuto per gran parte della tua vita in un ambiente editoriale. Quanto tale elemento ti ha influenzato professionalmente?
Sono nato nel 1961. Mio padre era un imprenditore. Avevo 27 anni quando Mario Spagnol mi ha chiamato poiché era stata pubblicata la mia tesi di laurea, una tesi che aveva come argomento i consumi culturali e in particolare quello librario. Mio padre mi spronò a lavorare con Mario Spagnol, che era sì un editore, ma anche un imprenditore molto autonomo.

Per la tua crescita professionale, quali figure hanno avuto un ruolo importante?
Senza alcun dubbio mio zio, Valentino Bompiani, indirettamente, in quanto è stato il primo maestro di Mario Spagnol dal quale ho appreso le basi del lavoro editoriale.

Come scegli se pubblicare un libro?
Ogni libro da pubblicare viene scelto attraverso fattori che poco hanno di schematico. Nell’editoria c’è velocità e sorpresa, e un piccolo ma importante dettaglio può costituire un fattore scatenante di successo e far diventare un libro un best-seller.

Nella scelta conta di più la razionalità o l’irrazionalità?
Entrambe hanno lo stesso peso. L’irrazionale e il razionale sono contraddizioni da ricercare. Un dettaglio talvolta può divenire più importante di una strategia. Questo toglie al nostro lavoro la noia. Tuttavia il fatto che la fortuna giochi un ruolo fondamentale non deve essere una scusa per non estendere il raziocinio, la raccolta e l'analisi dei dati disponibili, ovunque sia possibile.

La nuova politica, le future elezioni ti fanno paura?
No, in linea di massima. L’editoria è legata a quello che accade. Qualche volta tuttavia la paura è inevitabile. Ma anche in questi casi alla paura ci si abitua, perché si assimila, si cronicizza e non si sente più.

Ti piace il cinema?
Moltissimo.

C’è analogia tra il film e il libro come montaggio o racconto?
No, il film ha una natura diversa da quella del libro. Un film lavora per scene, un libro ha più libertà.

Cosa ne pensi degli e-book?
Sono una importante e necessaria innovazione, tuttavia in tutto il mondo i lettori preferiscono ancora la carta.

Per scegliere gli scrittori dai importanza al fattore età?
No, assolutamente. Ma non posso evitare di pensare che prima dei 30 anni raramente si diventa scrittori; manca l’esperienza di vita. Quello letterario non è un genio precoce.

I NOSTRI AMICI

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GLI AMICI DEL LOGGIONE

"Il mio ricordo più intenso è quando i miei genitori mi hanno portato alla Scala per la prima volta: era il 1948 e avevo 12 anni. Sono entrato nel Loggione, ho guardato dall’alto il teatro e ho avuto subito una forte commozione. Mi ha comunicato immediatamente il calore e l’odore della musica, ho percepito l’aura del passato. Non è uno scherzo pensare che da lì siano passati Verdi, Rossini..."

Per l’amicizia fraterna che ci lega agli Amici del Loggione, in occasione del 40° anno di vita dell'Associazione, Anna Crespi, Presidente degli Amici della Scala, ha intervistato il loro Presidente Gino Vezzini.

Come definirebbe il loggionista?
Il loggionista deve essere in grado di capire e apprezzare l’opera nella sua trasformazione studiando in particolar modo il suo sviluppo in questi ultimi anni e prendendo atto del cambiamento registico.

Qual è la più grande passione degli Amici del Loggione?
È il canto, inteso non solamente come l’emissione di una nota, di un suono, ma è una cosa complessa: è la partecipazione con la voce a quanto c’è scritto nel testo teatrale.

Può descriverci alcuni dei compiti della vostra associazione?
Uno dei nostri compiti istituzionali è quello di aumentare il numero di spettatori, pretendere la qualità.
Organizziamo molte iniziative a beneficio del pubblico più giovane, non solo verso l’opera lirica. Il nostro panorama di attenzione e di critica è dilatato verso le forme musicali che sono anche la musica sinfonica e da camera, il balletto.

Quali sono le iniziative per il pubblico più giovane?
Nell’ambito della nostra programmazione abbiamo diverse iniziative, che vanno dal concerto dedicato ai giovani a incontri specifici e mirati, soprattutto sulla storia della Scala, che non molti conoscono.

Riuscite a coinvolgere anche le scuole?
Abbiamo promosso iniziative con le scuole, ma è canale di difficile gestione.

Che tipo di incontri organizzate?
Organizziamo incontri con musicologi, cantanti, rivolti in modo particolare i ragazzi delle scuole medie. Sono utili e producono effetti positivi soprattutto quando c’è l’incontro con gli artisti e con gli operatori; le domande che rivolgono dimostrano il loro interesse e la visione totale del loro rapporto con la musica.

Organizzate anche concerti con i più giovani?
Sabato 19 gennaio abbiamo fatto un concerto con 11 giovani strumentisti. Ogni anno organizziamo circa 2 o 3 concerti, dove ospitiamo una decina di ragazzi dai 7 ai 14 anni che sono già strumentisti eccellenti e alcuni hanno già vinto concorsi. Il pubblico che trovano non è solo quello composto dai loro parenti e amici, ma è costituito anche dal pubblico degli Amici del Loggione e la sala è sempre gremita. Ogni 15 giorni, poi, organizziamo concerti con i giovani appena diplomati al Conservatorio, che hanno già vinto qualche premio e sono protagonisti eccellenti.

Dove si tengono i concerti e gli incontri?
Nella nostra sede, che da sempre si trova in via Silvio Pellico, dove abbiamo a disposizione 150 posti e un eccellente pianoforte.

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LUCA RONCONI

Luca Ronconi compie 80 anni, e noi gli facciamo gli auguri.

Luca è così grande che è difficile comprendere pienamente tutto ciò che ci propone nella sua arte. È difficile, forse impossibile.

Ma la sua semplicità di grande artista ci regala la reciproca empatia, e noi allora possiamo raggiungerlo e capire meglio noi stessi.

Tanti auguri Maestro, tanti auguri Luca.

ITALO GOMEZ

A proposito di Italo Gomez… la Marsilio si appresta a pubblicare un libro dedicato al Maestro sul periodo della sua direzione artistica a Venezia, quando dal 1979 al 1987 è direttore artistico del Teatro La Fenice. Nello stesso periodo è stato anche membro del Consiglio direttivo della Biennale di Venezia ed esperto musicale per la Fondazione Levi di Venezia per gli studi musicali.

Alla Fenice ha dato vita ad una nuova attività manageriale del teatro, con iniziative quali la creazione del Festival Danza Europa '81 e la costituzione della Compagnia Teatrodanza La Fenice di Carolyn Carlson, che ha svolto un’importante attività internazionale, formando i coreografi italiani oggi più in vista. Ha programmato inoltre l’esecuzione integrale dell'opera della grande coreografa di fama internazionale Pina Bausch.

Italo è stato tra i migliori ideatori musicali degli ultimi cinquant’anni.

Con la sua capacità realizzativa e la sua fantasia, ha in più occasioni collaborato con gli Amici della Scala in modo straordinario; di particolare intensità, ricordiamo quando in occasione del Premio Mecenate 2001, ha ideato la drammaturgia musicale Universo Mediterraneo: voci e suoni di mare, eseguita nella basilica di San Marco a Milano. "[...]Suggestive drammaturgie, dove la parola e conseguentemente la musica divengono parte integrante della pietra e del mattone. Il luogo sacro è posto metaforicamente all'origine stessa del verbo che viene annunciato attraverso il canto: non parola qualunque, ma parola di fede. Allo stesso tempo la pietra è anche cassa di risonanza del messaggio, che attraverso i secoli ginge a noi con forma immutata [...]" Nell'interno della basilica, immersi in una splendida illuminazione celeste a memoria del mare, in una atmosfera evocativa e di grande impatto, direttori e musicisti internazionali eseguivano musiche della tradizione liturgica tra le più varie su differenti temi liturgici (Dal cielo al Sinai; Lavori Mediterranei: musiche gotiche francesi dall’isola di Cipro; Dall’Ufficio di S. Anna; la tradizione liturgica delle benedettine di Santa Grata di Bergamo; Dall’Ufficio di Sant’Ilarione; La tradizione liturgica dei benedettini di S. Sisto in Piacenza; Launeddas, all’alba dei suoni; Musica e memoria: la tradizione orale) e su testi degli autori classici greci e medievali.

Il premio, sotto l’alto patronato del Presidente della Repubblica e il patrocinio della Presidenza del Consiglio dei ministri, del Ministero per le Attività e i Beni culturali, della Regione Lombardia e del Comune di Milano era stato assegnato a Dolly Goulandris, grande mecenate greca.

Italo Gomez è stato tra i primi a promuovere la divulgazione della musica contemporanea in Italia fondando la Società Cameristica Italiana, presente in tutti i più importanti festival europei. Nel campo della musica orchestrale è stato il creatore del complesso Orchestra Michelangelo di Firenze e successivamente dell’Orchestra Symphonia di Como in cui aveva il ruolo di concertatore, svolgendo un’intensa attività concertistica in Europa, America, Asia e Australia.

A partire dal 1965, oltre all’attività strumentale, si è dedicato all’organizzazione delle attività culturali a Firenze, e successivamente a Como, fondando nel 1967 assieme a Gisella Belgeri il Festival Internazionale Autunno Musicale a Como di cui è da sempre Direttore artistico. Negli anni ha curato le programmazioni del Festival, esplorando un vasto campo musicale, non solo nella musica colta, ma anche nelle cosiddette musiche “alternative” e nella musica contemporanea, creando una rete di programmi che si sviluppa a livello locale, nazionale ed internazionale. Alla creazione della Fondazione Autunno Musicale a Como (2001) gli venne conferito inoltre l’incarico di Sovrintendente del Festival.

Al Teatro alla Scala Italo Gomez aveva l’incarico di responsabile dell'Organizzazione tecnico-artistica, come assistente diretto del Direttore artistico Claudio Abbado, dando poi vita al progetto Milano Lombardia Musica che associava il Teatro alla Scala all’Orchestra RAI, l’Orchestra dei Pomeriggi Musicali e il Circuito Lirico Regionale, ideando il decentramento musicale a Milano.

Ha lavorato con Luigi Nono, assieme al quale ha creato Venezia Opera Prima '81-'82 che riuniva intorno a sé i compositori italiani oggi più in vista, istituendo una serie di gemellaggi internazionali fra Venezia e altre città in forma di reciprocità, creando il Festival Parigi a Venezia e successivamente Venezia a Parigi, e New York a Venezia.

GLI AMICI DELLA SCALA PRESENTANO

PRIMA DELLE PRIME CUORE DI CANE

Lunedì 11 marzo, ore 18

Teatro alla Scala - Ridotto dei palchi "A. Toscanini"

Ingresso libero fino a esaurimento posti

Cuore di cane di Alexander Raskatov

Nell’incontro “Lo stalinismo in caricatura” con proiezioni video, ne parlerà Cesare Mazzonis, Direttore artistico Orchestra Nazionale Rai di Torino, già Direttore artistico del Teatro alla Scala e del Maggio Musicale Fiorentino. Parla correntemente 5 lingue. Ha collaborato con i più grandi direttori d’orchestra, artisti e registi teatrali. Ha effettuato importanti tournée in tutto il mondo, tra cui nell’ex URSS, Germania, e una di notevole successo in Giappone; è stato il primo a eseguire la Turandot nella Città Proibita a Pechino. È stato consulente artistico dell’Orchestra Mozart diretta da Claudio Abbado. Scoperto da Italo Calvino, è diventato un eccellente scrittore. Ha pubblicato con Feltrinelli, Einaudi e Le Lettere.

PRIMA DELLE PRIME MACBETH

Martedì 19 marzo, ore 18

Teatro alla Scala - Ridotto dei palchi "A. Toscanini"

Ingresso libero fino a esaurimento posti

Macbeth di Giuseppe Verdi

Nell’incontro "A preferenza delle altre mie opere. Voci dal Macbeth. Gli ultimi anni di galera (Verdi 1847-1850)" con ascolti, ne parlerà Daniele Carnini, musicologo, laureato a Roma con Pierluigi Petrobelli, addottorato a Cremona con Fabrizio Della Seta, coordinatore editoriale della Fondazione Rossini di Pesaro.

SUL PALCO DELLA SCALA

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DER FLIEGENDE HOLLÄNDER

Una leggenda popolare che affonda le radici nel diciassettesimo secolo, un racconto del poeta romantico Heinrich Heine ispirato alla stessa leggenda, e una burrascosa traversata nel mare del Nord, nel 1839, protagonista Richard Wagner, assieme alla moglie Minna e al cane Robber. Sono questi gli ingredienti che portano il compositore tedesco, attorno al 1840, a scrivere Der fliegende Holländer. Composta a Parigi, e considerata come il primo dei grandi drammi wagneriani, L’Olandese Volante debuttò il 2 gennaio 1843 al Teatro Reale della Corte Sassone di Dresda, sotto la direzione dello stesso Wagner.

Der fliegende Holländer, per la regia di Andreas Homoki e diretto da Hartmut Haenchen, è in scena alla Scala fino al 15 marzo.

Abbiamo rivolto due brevi domande al Professor Maurizio Giani, docente di Estetica musicale all'Università di Bologna, oratore che ne ha parlato approfonditamente durante il Prima delle prime dedicato all'opera di Richard Wagner lo scorso 22 febbraio.

Come valuta Die fliegende Holländer nel corpus della produzione wagneriana?

L'Olandese volante può essere a buon diritto definito, come più volte si è ripetuto, l'opera con cui "Wagner trovò se stesso", la prima che rechi i segni inconfondibili del suo stile compositivo.

La redenzione è un tema che si ritroverà con diverse connotazioni nelle successive opere wagneriane...

La redenzione è al centro dell'intera opera wagneriana: in questo senso l'Olandese può essere considerato un lavoro "seminale", in cui oltre alla redenzione anche altri aspetti decisivi della drammaturgia wagneriana trovano una prima definizione. Il tema della redenzione è in Wagner strettamente intrecciato al ruolo della musica nella sua arte e nella sua stessa concezione estetica: nel 1857 Wagner definisce la musica "l'arte redentrice per eccellenza", ma questa frase si chiarisce ulteriormente se si tien conto che qualche anno prima, in Opera e dramma (1851), il suo più importante trattato teorico, Wagner aveva inteso la musica tutta come una donna, un'arte essenzialmente femminile, aggiungendo che l'essenza stessa della donna è l'amore.

La musica-donna può con il suo amore redimere l'uomo, ovvero il poeta, senza cui il dramma non potrebbe esistere, ma che da solo non può giungere all'espressione totale dei sentimenti, poiché, per Wagner, i momenti più alti, nella vicenda drammatica, non possono essere enunciati verbalmente, ma solo suggeriti allo spettatore nel silenzio della parola, lasciandone alla musica la realizzazione compiuta attraverso un "sonoro silenzio".

UN SALUTO A...

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WOLFGANG SAWALLISCH

Gli Amici della Scala con commozione ricordano il grande direttore bavarese Wolfgang Sawallisch, grande artista e uomo di spessore.

Conserveremo sempre con grande affetto il suo ricordo e la ricchezza che ci ha lasciato in eredità quale musicista e amico.

GLI AMICI DELLA SCALA SUL WEB

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Gli Amici della Scala hanno ampliato e continuano a potenziare e migliorare la loro presenza su Internet.

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È on-line inoltre il sito degli Amici della Scala, invitiamo tutti a visitarlo: www.amicidellascala.it

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Milano, 04/03/2013

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ARCHIVIO NEWSLETTER

- febbraio 2013

SPECIALE NABUCCO

PRIMA DELLE PRIME NABUCCO

Opera di grande forza, ancorata alla categoria del sublime, il Nabucco di Verdi fu presentato al Teatro alla Scala il 9 marzo 1842 con immenso successo. A “Prima delle prime”, nella sua dotta disquisizione dal titolo "Il terrore e il sublime". Il successo alla Scala (Verdi 1841-1846), Luca Zoppelli, ha ben evidenziato le alte tematiche di quest’opera, dalle tecniche estremamente raffinate, con passaggi dalle note dolci al vivo furore. Non è in effetti da sottovalutare il rilievo vocale ed espressivo che Verdi conferisce ai protagonisti.

Nabucco, per la regia di Daniele Abbado e diretto da Nicola Luisotti, è in scena alla Scala fino al 20 febbraio.

IL NABUCCO. LA MAGIA DELLE PROVE

Sono state recentemente pubblicate dal Radiocorriere TV, settimanale consultabile nel sito ufficiale dell'Ufficio Stampa RAI, le impressioni di Anna Crespi raccolte in occasione della prova della celebre aria "Va' pensiero".

IL MIO NABUCCO

di Anna Crespi

Il teatro è buio e vuoto. Sul palcoscenico gli operai lavorano agli ultimi ritocchi. Sono vestiti di nero; in jeans e maglietta, ma di quell’unico colore. Ecco, un ulteriore ritocco, e il palcoscenico è perfetto per la prova. Gli operai escono. Nel golfo mistico dell’orchestra, gli spartiti sono disposti su ogni leggio: fascicoli tutti uguali, con la medesima rilegatura di colore rosso. Sono sola, chiusa nell’oscurità del palco e registro le mie emozioni. Si attende il coro del Nabucco. Nonostante le due grandi luci che illuminano dall’alto il palcoscenico, la sala resta immersa in un buio profondo. Avverto dei rumori. Ecco gli artisti, in abiti informali. Distinguo le loro voci. Il regista collaboratore è una donna minuta, energica; ha un foglio in mano e segnala le posizioni in scena. Cessano i rumori del chiacchiericcio. Il silenzio è appena venato dai sussurri dei maestri delle luci. Mi tornano alla mente, nell’attesa, le regie di una volta, e le scenografie, grandi e splendidi fondali dipinti, i grandi Benois, Alexandre e Nicola, padre e figlio. Gli Amici della Scala gli hanno dedicato una mostra, in doppia sede: Scala - Brera. Ricordo il curioso passeggio da una sede all’altra, e via Verdi “trafficata” dai visitatori. Ripenso al 7 dicembre del 1966, al Nabucco con scene e costumi proprio di Nicola Benois, alla bacchetta Gianandrea Gavazzeni. Ecco il maestro che collabora alla direzione dell’orchestra. Non vedo i musicisti, ma inizio a sentire la musica. I maestri delle luci al centro della sala non alzano mai lo sguardo dagli spartiti, o commentano sottovoce tra loro. Dalla scaletta, che fa da ponte sulla sinistra del palcoscenico, scende velocemente il direttore delle luci. Sono iniziate le prove di scena. Tutti gli artisti si avvicinano. Prendono posizione in base al ruolo. In prima fila tre bambini: sono abbracciati con dolorosa tenerezza da tre donne del coro. Entra Bruno Casoni, il grande direttore del coro. Le mani dietro la schiena, a-scolta senza dirigere. Mi giunge il magnifico canto e suono del coro del Nabucco: Va’ pensiero sull’ali dorate… Ascolto e sono oltre il teatro, sono musica, fuori dal tempo e dallo spazio. Al termine si leva un applauso solitario: è il consenso per l’acustica di un tecnico seduto appositamente in platea. Il palcoscenico si svuota in silenzio. Si accendono le luci del teatro. Entrano due uomini delle pulizie. Agiscono con competenza. Mi sorprendo a pensare che persino il loro lavoro è in armonia con l’evento al quale ho assistito. Un tempo i protagonisti erano la musica e i cantanti. Ma la regia ha avuto un ruolo sempre crescente, fino ad oggi, diventata co-protagonista. Ripenso a Visconti, il primo a portare uno specchio in scena; ai grandi scenografi, ai vari passaggi storici quando prendeva forma l’astrazione tra regia e musica, fino a diventare una perfetta miscela. Un assaggio di ciò che sarebbe diventata: un grande spettacolo nello spettacolo lirico, determinando con esattezza una sintonia perfetta, in termini di tempo e di movimento, tra palcoscenico, luci, musica e ambiente. “Tutto si fonde in un unico incanto”, pensavo, lasciando il mio palco.

IL NABUCCO DI DANIELE ABBADO

A pochi giorni dalla Prima, abbiamo dialogato con Daniele Abbado, regista di questo nuovo allestimento scaligero del Nabucco, in coproduzione con Londra, Chicago e Barcellona, al quale abbiamo fatto qualche domanda sulla sua visione dell'opera.

Come ha progettato la regia di Nabucco, opera concepita come successione di quadri, e considerata anche da illustri musicologi come statico affresco corale?

Ma posso aggiungere una risposta specifica: il pensiero secondo cui Nabucco sia un "affresco" piuttosto statico ha marcato il senso comune per decenni.
Anch'io sono ovviamente partito da questo pensiero. Ma poi viene da chiedersi - e oggi più che mai - come faccia ad essere "statico" un testo teatrale che dall'inizio alla fine parla di Libertà? E di violenza, paura, eccetera? È scritto in modo "statico"? Questo non lo credo.

In realtà credo si tratti di un'opera giovanile, molto particolare, ma animata da uno spirito tutt'altro che "statico". Al contrario!!!

Si tratta quindi di comprenderne lo specifico linguistico, che é davvero particolare. In ogni caso, se si parla di "quadri" sono ben più che quattro. Sarebbero e sono molti di più. E nella realizzazione verrà curato molto anche questo aspetto.

Lei certamente è stato uno dei primi registi ad adottare nella lirica il video come elemento espressivo, instaurando una collaborazione di lunga data con Luca Scarzella.
Quale significato, quale ruolo intende ora attribuire in Nabucco all’intervento video di Scarzella?

In questa realizzazione l'utilizzo delle proiezioni ha un ruolo molto importante, in quanto assume un compito legato sia alla narrazione che allo spazio scenico.
È una amplificazione di alcune azioni del palcoscenico, come se intervenisse in diretta.
È un doppio piano temporale che somma azioni e situazioni diverse a quelle del palcoscenico, a volte in modo drastico, a introdurre elementi legati alla memoria di quanto si sta narrando. A volte interviene ad amplificare lo spazio, quasi ad uscirne. Infine ha il compito fondamentale di trasfigurare quanto sta succedendo.
La presenza del video in questo Nabucco é nata da un pensiero organico a tutta la progettazione.
Ma é difficile precisare troppo adesso in quanto abbiamo ancora, e avremo fino all'ultimo, diverse possibilità di decisione e quindi di editing.

IN ARRIVO...

In occasione della visita in sede degli Amici della Scala di Daniele Abbado e del video-artista Luca Scarzella, abbiamo realizzato una video intervista molto interessante, in cui si spazia dalla visione del regista dell'opera Nabucco, all'uso dei video, sino alla loro funzione in un opera di questo genere.

Tra pochi giorni sarà disponibile online nel nostro canale YouTube e nel nostro Blog.

IL PENSIERO PRINCIPE

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Il Professor Quirino Principe ha fatto un regalo agli Amici della Scala: un tagliente scritto sulla contesa Verdi-Wagner di cui troppo e spesso a sproposito si è discusso, e si continua a discutere, in occasione della celebrazione del doppio bicentenario.

Di seguito l'incipit; per continuare nell'affascinante lettura basta cliccare il link che segue l'estratto.

VERDI VERSUS WAGNER: ALLA PARI?

di Quirino Principe

Quando si accende una contesa, è buona regola supporre che in entrambi i contendenti esista una parte di ragione e una parte di torto. Non sempre. Un’ingombrante eccezione è stata la controversia nata al principio del dicembre 2012, in coincidenza con l’apertura di stagione del Teatro alla Scala. Oramai anche i bulli di borgata e i ministri del regno di Tingutania sanno che il 2013 è l’anno commemorante il due volte doppio centenario: i duecento anni dalla nascita di Giuseppe Verdi e, insieme, di Richard Wagner. Tralasciamo lo squallore miserabile e idiota delle graduatorie e delle classifiche sportive: se Verdi sia il più grande musicista italiano o soltanto il maggiore autore del teatro d’opera, oppure il maggiore operista d’Occidente, o almeno il più frequentemente eseguito (queste due ultime scale axiologiche non si implicano vicendevolmente!), e se Wagner sia soltanto il maggiore autore tedesco di musica per il teatro, oppure il maggior musicista tedesco “tout court”, oppure… per favore, dov’è il pedale del freno? Sì, tralasciamo, e affermiamo un’unica certezza: la straordinaria occasione del doppio duecentesimo compleanno si rinnoverà esattamente tra un secolo, quando probabilmente in Italia tutti i teatri d’opera (Scala compresa) saranno chiusi, o commissariati “sine die”, o diroccati dall’invasione barbarica imminente, o trasformati in moschee, e ciò che io chiamo “musica forte” (e altri, erroneamente, “musica classica”) sarà vietato dal Corano di Stato d’accordo con l’astutissima CEI oppure obsoleto e completamente dimenticato dalle future generazioni. Ulteriore certezza: dinanzi alla presente e preziosa occasione, era comunque non lecito... (per continuare la lettura cliccare qui)

GLI AMICI DELLA SCALA PRESENTANO

PRIMA DELLE PRIME DER FLIEGENDE HOLLÄNDER

Venerdì 22 febbraio, ore 18

Teatro alla Scala - Ridotto dei palchi "A. Toscanini"

Ingresso libero fino a esaurimento posti:

Der Fliegende Holländer di Richard Wagner

Ne parlerà Maurizio Giani, con ascolti, nell’incontro dal titolo:
"Nascita della redenzione"

PRIMA DELLE PRIME BALLETTO NOTRE-DAME DE PARIS

Mercoledì 6 febbraio, ore 17

Teatro alla Scala - Ridotto dei palchi "A. Toscanini"

Ingresso libero fino a esaurimento posti:

Notre-Dame de Paris di Roland Petit

Ne parlerà Patrizia Veroli, con video, nell’incontro dal titolo:
"L'esprit de finesse di Roland Petit per un fosco dramma romantico"

SUL PALCO DELLA SCALA

FALSTAFF

Mancava a Verdi il grande successo con l'opera comica e il 9 febbraio 1893, il Maestro ormai ottantenne, presenta alla Scala Falstaff, su un libretto di Arrigo Boito tratto da due piéces di Shakespeare. A "Prima delle prime" Livio Aragona, nell'incontro "Il sorridente riscatto. Il ritorno alla Scala e la vecchiaia (Verdi, 1881-1901)", con ascolti e video, lo scorso 7 gennaio, ha finemente analizzato quest'opera dalle grandi innovazioni, assai amata da alcuni musicisti del '900 quali Britten, che è anche riflessione sul tema dell'autunno dell'uomo e sul suo disincanto.

Falstaff, per la regia di Robert Carsen e diretto da Daniel Harding, è in scena alla Scala fino al 12 febbraio.

LE NOSTRE NOTIZIE

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MILANO E VERDI AGLI AMICI DELLA SCALA

Nell'ambito delle celebrazioni del bicentenario verdiano, gli Amici della Scala hanno ospitato nella loro sede, lo scorso 24 gennaio, la presentazione del volume di Giancarla Moscatelli, A Milano con Verdi, "una guida "turistico-musicale" alla scoperta della Milano di Verdi e di Verdi a Milano".

L'autrice, assieme alla giornalista Arabella Biscàro, ha dato vita a una serata dai momenti molto intensi, a una "situazione", come è stata definita nel post-incontro. Una situazione molto intima e apprezzata dai numerosi presenti, soci e amici, che hanno potuto ascoltare con interesse e curiosità racconti e aneddoti sulla Milano verdiana dalla viva voce dell'autrice. I racconti erano intervallati da veri e propri reading da parte della giornalista, accompagnata da interventi musicali al pianoforte dalla stessa Moscatelli, che oltre a essere un’autrice, è anche rinomata pianista e organista.

I NOSTRI AMICI

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PRETTY YENDE

La "nostra" Pretty Yende, è stata presentata ufficialmente al pubblico dagli Amici della Scala appena uscita dall’Accademia della Scala, nel 2010, per festeggiare il libro Napoleone alla Scala.
È tornata con amicizia a esibirsi per gli Amici della Scala lo scorso 20 novembre, quando, ormai cantante affermata e di fama, ha incantato il pubblico presente nel ridotto dei palchi "A. Toscanini" durante la presentazione dei nostri nuovi volumi, Giuseppe Palanti. Belle Époque in teatro e le 4 monografie (dedicate a Appia, Bilinsky, Bussotti, Sironi).

Il pubblico degli Amici della Scala l’ha riascoltata con emozione entusiastica e il successo è stato grande. Richiamata a gran voce ha concesso due bis, accompagnata al pianoforte dal M° James Vaughn. Nello stesso periodo era reduce da un’importante prestazione nella storica edizione della Bohème di Zeffirelli sul palco della Scala.

Con enorme soddisfazione degli Amici della Scala, ha debuttato lo scorso 17 gennaio al Metropolitan di New York, nella “vivace, colorata e originale produzione firmata da Bartlett Sher” (“New York Times”) de Le Comte Ory di Rossini, nel ruolo della Contessa Adèle, in un cast di primordine: Juan Diego Florez, Karin Deshayes e Nathan Gunn.

Gli Amici della Scala si congratulano con il giovane soprano sudafricano, augurandole una sempre più brillante carriera, e che possa raggiungere ambiziosi traguardi.

UN SALUTO A...

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Ilse Bickler geb. Wiegank
18.05.1931 – 08.12.2013

Ho perso la mia meravigliosa moglie.
Sabrine e Susi la loro indimenticabile ed adorata mamma.
Hans Bickler

Gli Amici della Scala ricordano con tenerezza la sua disponibilità, generosità, sensibile creatività; rivediamo la nostra Ilse accanto all’albero di Natale che ogni anno regalava agli Amici della Scala e che Lei stessa addobbava con raffinatezza.

Ilse è ancora con noi e noi tutti non smetteremo mai di amarla.

GLI AMICI DELLA SCALA SUL WEB

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Gli Amici della Scala hanno ampliato e continuano a potenziare e migliorare la loro presenza su Internet.

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Milano, 04/02/2013

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ARCHIVIO NEWSLETTER

- gennaio 2013

A Milano, città diventata più povera, avvengono dei mutamenti.

Un giovane che ha perso l’azienda e il lavoro, presa la bicicletta, sta facendo il giro del mondo.

Le persone frequentano con più partecipazione i centri culturali, i musei e le cattedrali.

Sbocciano nuove ricchezze interiori.

Sognano. Tutti sognano anche quelli che non ricordano come si fa a sognare.

Anna Crespi

LE NOSTRE NOTIZIE

AUGURI DI NATALE, IN MUSICA E POESIA, PER GLI AMICI DELLA SCALA

Lo scorso 29 novembre, nella nostra sede, gli Amici della Scala si sono scambiati gli auguri di Natale. Con i nostri Soci ci siamo ritrovati per il consueto e atteso appuntamento di fine anno.

Simona Marchesi, milanese, nata da una famiglia di musicisti, madre di tre giovani di talento, arpista, e l'americana Caroline Goodwin, eccellente soprano, hanno dato vita a un concerto unico, protagonisti arpa e voce. Per quasi un'ora e due bis, le artiste si sono esibite in un repertorio che ha spaziato dalle arie celebri (da Tosca, Norma...), a brani più natalizi, fino a strumentali per arpa.

Per rivivere quei momenti, potete entrare nel nostro blog, dove abbiamo inserito alcuni video della serata.

LE NOSTRE PUBBLICAZIONI

Sono numerose le testate cartacee e online che hanno scritto dei nostri libri presentati lo scorso 20 novembre nel Ridotto dei palchi "A. Toscanini" al Teatro alla Scala. Di seguito alcuni articoli che hanno parlato di noi.

GLI AMICI DELLA SCALA PRESENTANO

PRIMA DELLE PRIME NABUCCO

Mercoledì 16 gennaio, ore 18

Teatro alla Scala - Ridotto dei palchi "A. Toscanini"

Ingresso libero fino a esaurimento posti:

Nabucco di Giuseppe Verdi

Ne parlerà Luca Zoppelli, con ascolti, nell’incontro dal titolo:
"Il terrore e il sublime. Il successo alla Scala (Verdi, 1841-1846)"

PRIMA DELLE PRIME FALSTAFF

Mancava a Verdi il grande successo con l'opera comica e il 9 febbraio 1893, il Maestro ormai ottantenne, presenta alla Scala Falstaff, su un libretto di Arrigo Boito tratto da due piéces di Shakespeare. A "Prima delle prime" Livio Aragona, nell'incontro "Il sorridente riscatto. Il ritorno alla Scala e la vecchiaia (Verdi, 1881-1901)", con ascolti e video, lo scorso 7 gennaio, ha finemente analizzato quest'opera dalle grandi innovazioni, assai amata da alcuni musicisti del '900 quali Britten, che è anche riflessione sul tema dell'autunno dell'uomo e sul suo disincanto.

Falstaff, per la splendida regia di Robert Carsen e diretto da Daniel Harding, è in scena alla Scala fino al 12 febbraio.

UN SALUTO A...

GIOVANNA BEMPORAD

Certe emozioni regalano l’immortalità. Con la sua morte per noi non si è spenta.

Agli Amici della Scala ha regalato quattro splendide serate, tra cui una memorabile alla Società del Giardino, nel 1998, quando ha proposto con la sua travolgente recitazione i canti di Leopardi; senza dimenticare la serata al teatro Filodrammatici, nel 2005, con la lettura di una nuova edizione del suo capolavoro, il lavoro di una vita alla ricerca della parola perfetta: la traduzione dell'Odissea.

Maga e virtuosa dell'endecasillabo, ci ha regalato immortali versioni in lingua italiana di classici, da Goethe, a Virgilio, a Novalis, collaborando con Pasolini, fino alla sua ultima fatica: la traduzione del Cantico dei cantici.

GLI AMICI DELLA SCALA CONSIGLIANO

PICCOLO TEATRO

IL PANICO SECONDO LUCA RONCONI

Dal 15 gennaio al 10 febbraio

Debutta questa sera, 15 gennaio, al Piccolo Teatro Strehler, la nuova regia di Luca Ronconi: Il panico.

Dopo La modestia, il geniale regista porta in scena un altro dei sette vizi capitali "ripensati" in chiave contemporanea da Rafael Spregelburd.

Dopo un 2012 che ha visto segnare dei record di presenze al Piccolo Teatro, nonostante la profonda crisi, non solo economica, che continua a colpire il mondo della cultura e dell'arte, il 2013 accoglie il regista con questa nuova produzione.

Durante la presentazione, con il direttore Sergio Escobar, Ronconi oltre a rimarcare l'eccezionalità del cast, "il migliore possibile", composto da 16 attori di cui 13 donne, ha svelato molto poco sulla reale e personale messa in scena della nuova produzione, ma ha regalato importanti indizi, citando tre battute e concludendo con una che è anche folgorante riflessione: “Qual è il senso di tutto? La chiave di tutto è nel Libro dei Morti?”.

Ad accompagnare lo spettacolo, che sarà in scena fino al 10 febbraio, molti interessanti eventi che soddisferanno la curiosità e la voglia di approfondire degli spettatori.
In programma anche un incontro pubblico, giovedì 24 gennaio, tra Luca Ronconi e l'autore, il drammaturgo argentino Rafael Spregelburd.

Museo Teatrale della Scala

RUDOLF NUREYEV, IL POETA DELLA DANZA

Fino al 31 gennaio

È con particolare commozione che Milano e la Scala ricordano in questi giorni Rudolf Nureyev, il grande ballerino che il 6 gennaio 1993 scompariva prematuramente, all’età di 54 anni.

Una mostra al Museo Teatrale, aperta fino al 31 gennaio, ripropone il film “Nureyev alla Scala” di Claudio e Dino Risi, oltre a costumi, locandine e film. Una splendida galleria di toccanti fotografie in bianco e nero, tratte dall’Archivio della Scala, è inoltre visibile sul sito del Teatro.

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Milano, 15/01/2013

news / da Quirino Principe - VERDI VERSUS WAGNER: ALLA PARI?

VERDI VERSUS WAGNER: ALLA PARI?

di Quirino Principe


    Quando si accende una contesa, è buona regola supporre che in entrambi i contendenti esista una parte di ragione e una parte di torto. Non sempre. Un’ingombrante eccezione è stata la controversia nata al principio del dicembre 2012, in coincidenza con l’apertura di stagione del Teatro alla Scala. Oramai anche i bulli di borgata e i ministri del regno di Tingutania sanno che il 2013 è l’anno commemorante il due volte doppio centenario: i duecento anni dalla nascita di Giuseppe Verdi e, insieme, di Richard Wagner. Tralasciamo lo squallore miserabile e idiota delle graduatorie e delle classifiche sportive: se Verdi sia il più grande musicista italiano o soltanto il maggiore autore del teatro d’opera, oppure il maggiore operista d’Occidente, o almeno il più frequentemente eseguito (queste due ultime scale axiologiche non si implicano vicendevolmente!), e se Wagner sia soltanto il maggiore autore tedesco di musica per il teatro, oppure il maggior musicista tedesco “tout court”, oppure… per favore, dov’è il pedale del freno? Sì, tralasciamo, e affermiamo un’unica certezza: la straordinaria occasione del doppio duecentesimo compleanno si rinnoverà esattamente tra un secolo, quando probabilmente in Italia tutti i teatri d’opera (Scala compresa) saranno chiusi, o commissariati “sine die”, o diroccati dall’invasione barbarica imminente, o trasformati in moschee, e ciò che io chiamo “musica forte” (e altri, erroneamente, “musica classica”) sarà vietato dal Corano di Stato d’accordo con l’astutissima CEI oppure obsoleto e completamente dimenticato dalle future generazioni. Ulteriore certezza: dinanzi alla presente e preziosa occasione, era comunque non lecito ai dirigenti artistici della Scala, bensì doveroso e vincolante per essi, offrire al pubblico, “in primis” a quello milanese, e non secondariamente al pubblico italiano, europeo, occidentale, e a tutto il vastissimo pubblico orientale che ama la cultura occidentale e la musica d’Occidente, la massima esperienza possibile del lascito teatrale di Verdi e di Wagner, con opportune dosi proporzionali, e con la più alta qualità possibile di prassi esecutiva, di regìa e di allestimento.
    Su ciò non si discute, e infatti nessuno ha discusso. Quando sono stato, a titolo gratuito come al solito, consigliere d’amministrazione del Teatro alla Scala, ho udito il sovrintendente, il direttore artistico, i più loquaci e petulanti fra i miei colleghi consiglieri, i sindaci che si sono succeduti, i sindacalisti, i giornalisti dei quotidiani della più disparata colorazione ideologica, i vari “criticiui” musicali dei quotidiani milanesi e non, ripetere sino alla noia (mia) e allo sbadiglio (mio e di qualche altro) che la Scala è un grandissimo teatro europeo, trasnazionale, patrimonio dell’umanità. Credo fermamente in quest’idea, ma piuttosto che udirla proclamare con enfasi e sentirla divenire il liquido adatto agli sciacqui con collutorio laringeo, preferirei vederla praticata.
    Ora, che cosa succede? La dirigenza della Scala aveva deciso di costruire una stagione ricca di 7 titoli verdiani (Falstaff, Nabucco, Macbeth, Oberto conte di San Bonifacio, Un ballo in maschera, Don Carlo, Aida) e di 6 titoli wagneriani (Lohengrin, Der fliegende Holländer, Das Rheingold, Die Walküre, Siegfried, Götterdämmerung), più una diversa produzione di quest’ultima opera conclusiva del Ring, e questa è stata un’idea raffinata e intelligente poiché permetterà, almeno in un caso che sia uno, una volta tanto e in una città come Milano e in un teatro come la Scala, un sacrosanto raffronto di stile esecutivo e registico, la qual cosa fa bene alla salute. Ebbene, detto questo, ecco lo “scandalo”: la stagione si è aperta con… pensate un po’, c’è da rabbrividire: con un’opera di Wagner !!!!!!!!!!!  Lohengrin !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!   Un’opera futurista, incomprensibile, non italiana, e per giunta tedesca!!!! ORRORE!
    So di essere un tremendo eversore, un anti-italiano, paragonabile ai terroristi, ai brigatisti e ai nemici degli spaghetti e delle fettuccine all’amatriciana. Ebbene sì, lo confesso, contrito e con la cenere sul capo: io sono d’accordo con la sovrintendenza e con la direzione artistica della Scala. Anzi, soprattutto sono d’accordo con me stesso e con la buona creanza. Dinanzi alla canea di coloro che, strillando e abbaiando e latrando, si sono abbandonati all’idiozia delle graduatorie, delle priorità dei “diritti” (???!!!), del “patriottismo” (ma guarda un po’ dove si va a cacciare il patriottismo, in un paese in cui lo Stato cala le brache dinanzi all’incessante invasione da parte di stranieri dalle usanze né democratiche né civili e anzi a dir poco indecenti, e la Chiesa fa la mosca cocchiera), mi permetto di dire:
     a) Milano, contrariamente a ciò che alcuni incautamente hanno strillato, non è stata “la città di Verdi”, il quale anzi detestava Milano e aveva il dente avvelenato contro una città dal cui Conservatorio egli era stata escluso all’esame di ammissione. La Scala non è stata “il teatro di Verdi”: Verdi abitò a Milano il meno possibile, e la stragrande maggioranza delle sue opere teatrali ebbe il suo battesimo del fuoco su altri palcoscenici.
     b) Tra Verdi e Wagner era elegante e segno di cultura civile trovare un anello di raccordo: esso non poteva essere se non Lohengrin, la prima opera di Wagner rappresentata in Italia (1° novembre 1871).
      c) Se Milano vuol essere una città europea, deve compiere scelte europee. In un anno nel quale inevitabilmente sarebbe ritornato lo stucchevole e stolido quesito, se sia figura più importante nella storia della musica Verdi o Wagner, sarebbe stato un atto di rozzezza, un segno di provincialismo spaghettaro da mezze calzette, inaugurare la stagione della Scala con un’opera “del nostro”, mentre è stato un atto di signorilità superiore aprirla con un’opera “dell’altro” (tanto difficile capirlo?): tanto più che lungo la stagione ci saranno molte occasioni per ascoltare Verdi, non vi sembra?
    Malgrado l’evidenza delle ragioni che ho esposto, la lagna e lo starnazzamento di protesta per questa priorità accordata a Wagner sono stati il Leitmotiv dell’apertura di stagione scaligera. È stato penoso udire, nei giorni precedenti il 7 dicembre, le omelie di personaggi potentissimi e di altissimo censo i quali spiegavano come e qualmente la Scala avrebbe dovuto aprire con Verdi e non con Wagner. In risposta, svolgo un brevissimo ragionamento ab absurdo partendo da me stesso. Io credo di sapere qualcosa in materia di storia, geografia, lingue e letterature antiche e moderne, lingua italiana, etimologie, glottologia. Sono ignorantissimo in materia di economia, di idrocarburi, di calcio, di sport in genere. Ebbene, se un bel giorno io salissi in cattedra e cominciassi a tenere una “lectio magistralis” sulla qualità del petrolio Brent, se spiegassi ai miei allievi il pensiero di Keynes o le sublimi riflessioni di Renato Brunetta, se scrivessi un trattato sulla tecnica di Balotelli, sarei deriso, beffeggiato, forse internato in manicomio. Ma allora, perché mai io devo tollerare che persone sapientissime in materia di economia, di idrocarburi, di calcio, ma ignorantissime in materia di musica, di letterature antiche e moderne, di storia, pretendano di dare lezione a me parlando di ciò che io, non essi, conosco? Oh, conosco l’obiezione: mi si dirà, intonando la solita solfa, che un teatro come la Scala e un teatro d’opera in genere costa moltissimo a spese dei contribuenti, e che perciò tutti i contribuenti cittadini italiani hanno il diritto di dire la loro a proposito della Scala e di qualsiasi teatro d’opera italiano. Replico con una controbiezione: l’attività giudiziaria, il funzionamento dei Tribunali e delle Preture, gli emolumenti dovuti ai magistrati, costituiscono un costo enorme per lo Stato, e tale costo è pagato dai contribuenti italiani, eppure io contribuente italiano non oserei criticare il metodo di lavoro quotidiano dei giudici e dei Pubblici Ministeri italiani, poiché non ho la competenza per farlo, così come altri non hanno la competenza per giudicare le scelte artistiche dei dirigenti di un teatro d’opera. Analogamente, i contribuenti italiani forniscono allo Stato, tramite il Fisco, il denaro per pagare gli stipendi di chi governa in Italia la sfera dell’economia, degli idrocarburi, delle ferrovie, delle poste, eppure noi contribuenti italiani non andiamo a dare uno spintone al manager dell’industria petrolifera, o al direttore generale di Equitalia, o all’amministratore delegato di Trenitalia, dicendogli: «Fatti in là, ché mi ci metto io!»
    Della furente contestazione “nazionalistica” da parte di coloro che avrebbero voluto Verdi e non Wagner il 7 dicembre alla Scala, l’Europa ha riso e sta ridendo ancora. I quotidiani austro-tedeschi e britannici hanno sghignazzato senza ritegno; sono apparsi titoli caricaturali che rifacevano il verso ai tromboni dell’italianità oltraggiata: «Mamma mia!». Insomma, la solita meschina figura, quella che stiamo facendo da vent’anni, e che è ancora nulla rispetto alla figura lacrimevole che faremo in un futuro prossimo. Da piangere!
    Ma arrampichiamoci su per le rocce, anche se la pendenza è dolomitica. Risaliamo dalle stalle alle stelle, e respiriamo.

    Due grandezze, due visioni dell’arte e del pensiero, due uomini; ci piace immaginarli simmetrici, paralleli. Questa nostra visione è insicura, e dev’essere verificata continuamente, di generazione in generazione, almeno fino a quando esisteranno le arti e, nel loro esistere, avranno significato nella società. Già questa persistenza di significato non è certa. L’Occidente è stato l’unica area planetaria nella cui tradizione e fisionomia le arti non si siano limitate a generare bellezza, anche mirabile, soltanto per decorare il potere o per rendere meno ripugnanti la credulità religiosa e il servilismo verso le caste sacerdotali. Soltanto in Occidente, le arti hanno legittimato la loro propria esistenza empiendosi di pensiero, di λόγος, di energia eletta a governare il mondo. Soltanto in Occidente, le arti sono riuscite, in una fase storica non remota, a non essere più mercimonio né potlatch né circenses; “in una fase non remota”, poiché l’allegoria disegnata da Wagner nella fiaba Wieland der Schmied per una musica mai scritta denunciava gli obbrobri del passato, di un lungo passato. Quel destino di “non essere più” qualcosa di marginale e d’inessenziale di cui il mondo potrebbe anche fare a meno, e di “essere altro e più rispetto a ciò che si è stato”, ha assunto respiro più ampio e caratteri particolarmente vistosi nella musica che definisco “forte”, e che altri, in maniera impropria e insufficiente, si ostinano ancora a definire “classica”. È quella che io chiamo “musica” senza aggettivi. Nella cultura occidentale, la musica ha guadagnato il diritto a una metamorfosi axiologica: se ai tempi di Alcmane a Sparta, o di Orazio nella Roma di Augusto e di Mecenate, o di Hildegard von Bingen, e ancora, sia pure a metamorfosi in atto, ai tempi di Guillaume Dufay o di Bartolomeo Tromboncino, la musica era soprattutto seducente ed emozionante creatrice di stati d’animo, Jacopo Peri, Claudio Monteverdi, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de Victória sono già all’opera per sollevarla al rango che è la sua entelechia: quello di nodo di significati, di linguaggio con un proprio lessico, una propria morfologia e sintassi, un proprio tessuto cellulare interno in cui significante e significato siano in relazione indissolubile. Questa fenomenologia per così dire orizzontale e diacronica si associa a una fenomenologia verticale e sincronica, la quale accoglie in sé una singolarità, una sorta di contro-metamorfosi: un numero incalcolabile di musicisti, in ogni plaga d’Occidente, lascia coesistere l’antico e il nuovo, il passato e il futuro, ciò che la musica era stata e ciò che tendeva a divenire, ma si ravvisano due zone estreme in cui rari artisti di genio intendono la propria arte esclusivamente (o quasi) come linguaggio, pensiero, λόγος, verità, e altrettanto rari artisti di altissimo talento si appagano di connotati che certamente sono connaturati nella musica ma gravitano verso una concezione “naíve”: l’energia delle emozioni, la potente influenza sulla psiche e sul temperamento. Esempi del primo tipo: Gesualdo, Bach, Wagner, Debussy, Stravinskij. Esempi del secondo tipo: Händel, Telemann, Weber, Verdi, Saint-Saëns..
    Ci domandiamo: i due coetanei, Richard Wagner poco fa nominato e con un vantaggio d’anzianità di pochi mesi (Lipsia, sabato 22 maggio 1813 ‒ Venezia, martedì 13 febbraio 1883), e Giuseppe Verdi (Le Roncole di Busseto, Parma, sabato 9 o domenica 10 ottobre 1813 ‒ Milano, domenica 27 gennaio 1901), sono veramente due figure simmetriche, parallele? Si direbbe di no, se le mie precedenti considerazioni sono accettabili almeno in parte. L’immagine di due sommi custodi del pensiero, di due dioscuri dell’arte, è affascinante anche come ombra fuggevole, come immagine eidetica, e comunque s’impone con la forza irresistibile di una “Gestalt”. Talvolta accade che l’enfasi di un accostamento celebrativo e di una simbologia plaudente corrisponda davvero a due grandezze di pari misura, in equilibrio come il bianco giorno e la nera notte nella scacchiera di Borges, o come la fresca notte e l’afoso giorno nella poesia Der Tod, das ist die kühle Nacht di Heinrich Heine. Torna alla mente la Stanza della Segnatura (la “segnatura di giustizia”) in Vaticano: là, su commissione del papa Giulio II, Raffaello Sanzio (Urbino, venerdì 28 marzo o demenica 6 aprile 1483 ‒ Roma, venerdì 6 aprile 1530) affrescò nel 1509-1510 quattro grandi allegorie, una su ciascuna delle quattro pareti: la Teologia, la Filosofia, la Giurisprudenza, la Poesia. L’allegoria filosofica è La Scuola di Atene: al centro della gloriosa architettura e della folla di teste pensanti in drammatico movimento, campeggiano Platone e Aristotele, indicanti, il primo, il cielo delle idee, il secondo, la terra delle cose reali. Torna alla mente anche il monumento che s’innalza nel Theaterplatz di Weimar, effigiante in bronzo i dioscuri della poesia tedesca, Johann Wolfgang von Goethe (Francoforte sul Meno, giovedì 28 agosto 1749 ‒ Weimar, giovedì 22 marzo 1832) e Friedrich Schiller (Marbach sul Neckar, nel Württemberg, sabato 10 novembre 1759 ‒ Weimar, giovedì 9 maggio 1805). Si affacciano alla memoria storica di ogni intelligenza d’Occidente degna di questo nome i dettagli storici che evocano intorno al “Goethe-Schiller-Denkmal” un’aura di vera e grande passione nazionale, etica e civile:
    l’iniziativa di Karl Alexander August Johann von Sachsen-Weimar, granduca di Sassonia-Weimar-Eisenach;
       l’originaria assegnazione dell’impresa allo scultore Christian Daniel Rauch (Arolsen in Assia, allora principato di Waldeck, mercoledì 2 gennaio 1777 ‒ Dresda, giovedì 3 dicembre 1857), che avrebbe voluto rivestire i due poeti con abiti di antichi eroi;
      la ragionevole decisione di rivolgersi a Ernst Friedrich August Rietschel (Pulsnitz in Sassonia, sabato 15 dicembre 1804 ‒ Dresda, giovedì 21 febbraio 1861), che optò per abiti moderni, sì da “far vivere” i due poeti fra i cittadini di Weimar;
      la divertente ma non frivola scelta di attribuire la medesima statura a Schiller, alto m. 1,90, e a Goethe, alto m. 1,69;
   l’opera perfetta del maestro fonditore Ferdinand von Miller (Fürstenfeldbruck in Baviera, lunedì 18 ottobre 1813 ‒ Monaco di Baviera, venerdì 11 febbraio 1887) che realizzò le due figure in bronzo;
    l’inaugurazione avvenuta venerdì 4 settembre 1857 per celebrare il centenario della nascita di Karl August, il granduca di Sassonia-Weimar che aveva voluto la presenza di Goethe alla propria Corte e alla guida del più che illustre e glorioso Großherzögliches Theater dove Franz Liszt, con ardimentosa scelta e sfidando le infamie del potere di un re che aveva condannato Wagner alla fucilazione, diresse la prima “illecita“ rappresentazione di Lohengrin;
      la memorabile esecuzione a Weimar, al culmine di quei festeggiamenti, della Dante Symphonie di Liszt (Hoftheater, sabato 7 novembre 1757).
     Ho profuso questi dettagli non per amore di inutili pleonasmi. Volevo sottolineare due casi di reale simmetria, di parità nella statura artistica e nella funzione storica. Ciò vale anche per Verdi dinanzi a Wagner? Non credo. L’unico elemento unificante ha certo molta visibilità ma non è decisivo: entrambi i compositori di dedicarono al teatro d’opera con impegno quasi esclusivo, aggiungendo al proprio rispettivo lascito pochi lavori non teatrali. Per ciascuno dei due, al di là della drammaturgia musicale soltanto una o due o al massino tre delle altre composizioni sono importanti e degne di essere riascoltate più volte: di Wagner, i Wesendock-Lieder; di Verdi, il Requiem, i Quattro pezzi sacri, il Quartetto in Mi minore. Si pensi, a proposito di Wagner, alla differente distribuzione dei pregi tra le opere teatrali di Weber e le bellissime partiture sinfoniche e cameristiche di lui; a proposito di Verdi, alle composizioni pianistiche e vocali di Rossini, nonché alla Petite Messe Solennelle. In ogni caso, un elemento che accosti Verdi e Wagner quasi parificandoli ma che sia pur sempre una considerazione di una comune mancanza e non di una comune acquisizione, mi pare l‘anello debole di un ragionamento.

     Verdi ha tentato la commedia due volte. La prima, con Un giorno di regno, è stata un esito mediocre non perché l’autore non avesse inventiva, ma poiché il contesto, fondato sulla trama degli equivoci di tipo menandreo-plautino, non gli si adattava. La seconda occasione, Falstaff, fu il capolavoro assoluto, una delizia per l’intelletto, per l’epidermide e per i cinque sensi. Ma sono miracoli che avvengono una sola volta. Per il resto, Verdi è l’artista della tragedia in musica: delle forti passioni, dell’inarrestabile, dell’elementare, sino al limite intuito da Carl Dahlhaus: il macabro, il sinistro, l’orrore puro in cui si agitano le ombre dei Mystères de Paris di Eugène Sue. La sua grandezza di uomo di teatro, fabbricato con sostanza di teatro da madre Natura, è nel mostrare l’esistente puro. Jean Racine, nella sua prefazione alla tragedia Britannicus (1676), scrisse che Tacito era stato “le plus grand peintre de l’antiquité”. Analogamente, affermo che Giuseppe Verdi, in musica, è stato il maggior pittore del secolo XIX.
    Wagner, invece, perfora l’esistente, passa attraverso, disfa e dissolve l’esistente nell’acido di una sostanza alchemica, che vince ogni scepsi, questa volta. Wagner, sciogliendo l’esistente in musica, nella sfera in cui la musica è soggetto e insieme oggetto del dramma, autore e personaggio, mostra come il destino finale di tutto sia inevitabilmente il Nulla. Nessuno negherà più che sia tragico il destino dell’Occidente prefigurato da Oswald Spengler, e gridato con nobile odio, alla fine del precedente ciclo di civiltà, da Rutilio Namaziano nel De reditu (I, 25-26):


    Come ho scritto nel mio saggio Richard Wagner, cifra dell’Occidente (luglio2012), «riconosciamo nella crudele sorte della filosofia d’Occidente il rivelarsi a poco a poco di quella forma simbolica che non sembra appartenere al pensiero occidentale: il circolo, la linea chiusa, la fine dell’evoluzione e dell’espansione del cosmo? La conoscenza che fiorisce e vola verso l’invisibile? Il tempo come cerchio ? L’anello dell’eterno ritorno? Questo destino è senza dubbio una punizione: una Nemesi. Ma lo è nel dominio dell’Avere. Non punizione, bensì salvezza nella sfera dell’Essere, dove la forma circolare che sa trasformare il tempo in spazio raffrena e doma l’eterna, inarrestabile consunzione. Richard Wagner è colui che innalza la linea circolare (il “Ring”, l’anello che compie magie supreme, lo spazio sacro del Gral, la relazione Tristan-Isolde o Siegmund-Sieglinde) alla sfera dell’Essere, e la libera dalla catene dell’Avere. La musica di Wagner annuncia (non soltanto in senso simbolico) la possibile salvazione da due velenose e mortali radici: la filosofia di Hegel e il Cristianesimo. Questa musica è l’incanto del crepuscolo che all’improvviso s’infiamma, il fuoco che, vittorioso, arde il cielo».
     Così scrivevo, e così mi propongo di agire “usque ad sanguinem”:

     La disparità tra Verdi e Wagner risulta ancor più forte, inequivocabile, nella diversa collocazione dei due compositori in merito al processo di metamorfosi della musica occidentale. Lo sappiamo tutti che Verdi, anche il meno affinato, anche quello dello “zúm-papa‒zúm-papa“, è capace di scatenare passioni, e che riesce a sedurci e a portarci al delirio. Ma è Wagner colui che trasforma la musica occidentale in linguaggio, difficile ai neofiti, ma intelligibile ai fedeli. E più ancora: a partire da Tristan und Isolde, a partire dal “Tristan-Akkord“, egli compie una seconda metamorfosi, che è, a dire il vero, una transustanziazione. La musica di Wagner non è più simbolo dell’universo condensato in suoni, ma universo creato dai suoni, anzi, rintracciato e identificato nei suoni dopo una queste du Gral e dopo una consacrazione della fisicità connaturata nei suoni. Il motivo iniziale di Tristan und Isolde non è simbolo del filtro d’amore: è il filtro d’amore. Il pedale e l’arpeggio di Mi bemolle non sono il nodo simbolico dell’origine dell’universo: sono l’origine dell’universo, e ogni volta che li udiamo, misteriosamente in una parte inconoscibile di ciascuno di noi, a quell’ascolto emergono dal Nulla come universo. Ciò significa, semplicemente, che nelle mani di Richard Wagner la musica può essere Dio, e che Dio, semplicemente, potrebbe essere null’altro se non la musica.


Milano, 2 febbraio 2013

opera / balletto / concerto

“Prima delle prime” Stagione 2012/2013

Teatro alla Scala - Ridotto dei palchi “A. Toscanini”

Ciclo organizzato dagli Amici della Scala

ingresso libero fino a esaurimento posti

Opera

Mercoledì 21 novembre 2012, ore 18

Lohengrin di Richard Wagner

Quirino Principe “Raggi argentei da un affresco medioevale”

(con ascolti e video)

 

Mercoledì 9 gennaio 2013, ore 18

Falstaff di Giuseppe Verdi

Livio Aragona “Il sorridente riscatto”

Il ritorno alla Scala e la vecchiaia (Verdi, 1881-1901)

(con ascolti e video)

 

Mercoledì 16 gennaio 2013, ore 18 

Nabucco di Giuseppe Verdi

Luca Zoppelli “Il terrore e il sublime”

Il successo alla Scala (Verdi, 1841-1846)

(con ascolti)

 

Venerdì 22 febbraio 2013, ore 18

Der Fliegende Holländer di Richard Wagner

Maurizio Giani “Nascita della redenzione”

(con ascolti) 

Lunedì 11 marzo 2013, ore 18

Cuore di cane di Alexander Raskatov

Cesare Mazzonis “Lo stalinismo in caricatura”

(con proiezioni)

 

Martedì 19 marzo 2013, ore 18

Macbeth di Giuseppe Verdi

Daniele Carnini “A preferenza delle altre mie opere. Voci dal Macbeth ”

Gli ultimi anni di galera (Verdi, 1847-1850)

(con ascolti)

 

Venerdì 5 aprile 2013, ore 18

Oberto conte di San Bonifacio di Giuseppe Verdi

Alberto Rizzuti “L’esordio: un dramma a personaggi”

La giovinezza (Verdi, 1813-1840)

(al pianoforte e con ascolti)

 

Giovedì 9 maggio 2013, ore 18

Götterdämmerung di Richard Wagner

Franco Serpa “Il crollo del Walhalla”

(con ascolti)

 

Martedì 11 Giugno 2013, ore 18

Un ballo in maschera di Giuseppe Verdi

Antonio Rostagno “Come dalla censura è nato un capolavoro”

La prima maturità (Verdi, 1854-1859)

(al pianoforte e con ascolti)

 

 

Lunedì 16 settembre 2013, ore 18

La scala di seta di Gioachino Rossini

Giovanni Carli Ballola “La folle journée”

(con ascolti)

 

Lunedì 7 ottobre 2013, ore 18

Don Carlo di Giuseppe Verdi

Raffaele Mellace “Grand-opéra spagnolo, tra storia e passioni”

L’Europa (Verdi, 1860-1867)

(con ascolti e video)

 

Lunedì 21 ottobre 2013, ore 18

Aida di Giuseppe Verdi

Giovanni Bietti “I temi conduttori di un capolavoro formale”

Il mondo (Verdi, 1868-1880)

(al pianoforte e con ascolti)

 

Balletto

Domenica 16 dicembre 2012, ore 18

Roméo et Juliette di Sasha Waltz

Marinella Guatterini “Generazione tedesca anni Sessanta.

Tra danza e teatro musicale, una nuova creatività”

(con video)

 

Mercoledì 6 febbraio 2013, ore 17

Notre-Dame de Paris di Roland Petit

Patrizia Veroli “L’esprit de finesse di Roland Petit

per un fosco dramma romantico”

(con video)

 

Mercoledì 24 aprile 2013, ore 17

Giselle di Jean Coralli-Jules Perrot

Alfio Agostini “Il classico del balletto romantico,

un incrocio di epoche ed estetiche”

(con video)

 

Lunedì 10 giugno 2013, ore 18

Il lago dei cigni di Rudolf Nureyev

Sergio Trombetta “ Viaggio nel cuore del Lago”

(con video)

 

Martedì 3 settembre 2013, ore 18

L’altra metà del cielo di Martha Clarke

Marco Mangiarotti “Se il teatro balla il rock - da Pink Floyd

e Queen a Vasco Rossi”

(con video)

 

Martedì 5 novembre 2013, ore 17

L’histoire de Manon di Kenneth MacMillan

Giannandrea Poesio “Amore, aberrazione e perfezione teatrale”

(con video)

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